لو بدا الفن مستحيلاً فهو مع ذلك يداوي

سنة 2025 شعرت بأنها استنزافية للغاية. في يناير اندلعت حرائق مدمِّرة في لوس أنجلوس، مدينتي. عشرات الفنّانين فقدوا بيوتهم وأعمالهم. كانت ألتادينا، التي ظلت لعقود مركزًا للإبداع الأسود ومأوى للعديد من الفنّانين في السنوات الأخيرة، من بين الأكثر تضررًا.

ثالث اثنين من يناير حمل معه أمراً أسوأ وأكثر خبثًا: بداية الإدارة الثانية لترامب، التي وجهت هجومًا ليس فقط إلى مجتمعات اللون بل إلى عالم الفنّ نفسه. تصاعدت مداهمات مكتب الهجرة (ICE) في أنحاء البلاد، خصوصًا في الأحياء البنية والسوداء، مع تشجيع الرئيس لوكلاء الهجرة على الاختطاف أولًا ثم السؤال لاحقًا. الخسائر التي لحقت بالمواطنين الأمريكيين، والمقيمين القانونيين، والمهاجرين غير النظاميين كانت مروعة ومؤلمة بصعوبة التعبير عنها.

مقالات ذات صلة

وسط هذه الأزمة الطارئة، قد يغفل البعض الهجوم الأوسع على الفنون والثقافة — ولا سيما استهداف مؤسسة سميثسونيان. سيكون ذلك خطأ جسيمًا. الأنظمة الفاشية تستهدف الفن لأن الفن يلهم المقهورين ليتخيلوا أساليب حياة بديلة. الفن يمنح الأمل؛ وبدونه تصبح سياسات قمعية سهلة التنفيذ.

كثير من الفنّانين قدّموا ردود فعل مؤثرة على موجة مداهمات 2025؛ من بينها مشروع خاص لـAMBOS (اختصاراً لـ“Art Made Between Opposite Sides”) الذي رُكّز في جناحه بمعرض Frieze لوس أنجلوس في فبراير. أسسته الفنّانة تانيا أغيينيغا، وقد عرض جناح AMBOS فخارًا صنعه مهاجرون ينتظرون جلسات لجوء في المكسيك؛ وكان من بينهم كثيرون من النساء المتحولات جنسيًا. بيع هذه القطع والأسعار المعقولة لمنتجات أخرى مثل الملصقات والقبعات كان لدعم أفراد هذه الجالية ماليًا خلال إجراءات لجوء معقّدة، والتي كانت بحلول افتتاح Frieze قد ألغتها إدارة ترامب. كان لـAMBOS دور مهم في تأمّل كيف يمكن للفن أن يتعامل بشكل فعّال مع ما يجري في مناطق الحدود وأن يساعد المتأثّرين مباشرة بتمزق الحدود بين الولايات والمكسيك.

الحدود بين الولايات المتحدة والمكسيك، بوصفها خطًّا حرفيًا وتخيليًا، طالما كانت محور عمل فنّانات وفنّانين تشيكانو ولاّتينيكس، مثل كونسيولو خيمينيز أندروود، التي قدّمتُ ملفًا عنها في عدد “Icons” السنوي لمجلة Art in America. شبّهت خيمينيز أندروود السور بمفارقة: “جميل وإيجابي، لكن عليه قسوة… من المرعب أن تتأثر جماعتك بخط تعسفي. يدمّر الكثيرين.”

قبل زيارتها في أبريل، كنت في سان أنطونيو حيث أقيمت لها معرض شخصي في Artpace. خلال إقامتها هناك خلقت أعمالًا تفكّر في الفاصل بين الأرض والسماء — فالفصل بين السماوات والأرض هو حدود أخرى في تصورها.

تذكّرني كلماتها عندما زرت Americas Society لمعرض ثنائي مدهش لبياتريز كورتيز ورافا إسبارزا بعنوان “الأرض والكون”. قدّما أعمالًا تحاول تحدّي الزمان والمكان، مثل عمل Hyperspace: -100km + ∞ (2025)، إعادة تخيّل لرأس أولمك جلب إلى نيويورك من المكسيك لمعرض 1965. تحيّة إسبارزا تبدو مُشَوهة وكأنها مرت ببوابة زمانية تنقلها من 1200–900 قبل الميلاد إلى ستينات القرن العشرين ثم إلى 2025.

رأس الأولمك رمز للحظة جلبت فيها أعمال أمريكا اللاتينية إلى نيويورك لتتحدث عن المنطقة بوصفها ماضٍ؛ لكن الواقع أعقد من ذلك، كما قال إسبارزا. كان المعرض محاولة لقراءة كيف تعكس أو تكشف مؤسسات غربية سرديات تُفرض على ثقافات غير غربية؛ كورتيز وإسبارزا يرفضان تلك التأويلات المُغتربة.

في Performance Space New York، قدّم سان تشا أوبرا تجريبية بعنوان Inebria Me (2025) استنادًا إلى ألبوم 2019 La Luz de la Esperanza. تدور في أرض الحدود حول دردوليس، امرأة متزوجة من رجل ثري مسيء، وتستكشف رغباتها الكويرية تجاه كيان بلا جنس اسمه Esperanza. يمزج العمل بين تيلينوفيلا، الكاثوليكية، ونشأة الفنان في مشاهد الكوير في الخليج ولوس أنجلوس، ليقدّم حكاية شائنة وجميلة في آن، حيث يسود الحنين والأمل على الألم والعنف.

خطر الحدود يظهر عند Studio Lenca، الذي هاجر طفلاً من السلفادور خلال الحرب الأهلية إلى منطقة الخليج ويقيم الآن في مارغيت، المملكة المتحدة. هذا الصيف نظّم معرضًا جماعيًا في Kates-Ferri Projects بنيويورك لعرض أعمال فنّانين سلفادوريين معاصرين تتناول تاريخ السلفادور وتعقيداته. على مدى سنوات تعاون Studio Lenca مع مهاجرين إلى الولايات المتحده في ورش لصنع بطاقات بريدية تصور قصص هجرتهم بطرق متنوعة؛ شاهدت مجموعة “Rutas” لأول مرة في La Trienal 2024 في El Museo del Barrio. بعضها يذكّر رحلات متعرّجة عبر الحدود؛ وبعضها تجريدي شاحب يشبه ذاكرة موجعة. عرض الفنان هذه الورش قبل معرضه الشخصي في David Castillo Gallery بميامي وكجزء من استحواذ La Escuela على مساحة Homeroom في MoMA PS1، حيث نُفّذت ورشة مؤخراً. إلى جانب الأعمال المشتركة، عرض Studio Lenca لوحاته الذاتية الطائرة على جدران المعرض، فاتحًا فسيفساء قصص هجْرَة متعددة الألوان.

الاعتراف بالشيوخ

خلال العقد الماضي بدأ فنانون كثيرون، خصوصًا من اللون، يحصلون على اعتراف طال انتظاره داخل مؤسسات الفن—وتابع هذا الاتجاه في 2025. في El Museo del Barrio أقيمت معروضتان مهمتان لكانديدا ألفاريز وكوكو فوسكو.

ألفاريز معروفة بتجريداتها اللونية الدوّارة، وعرض المتحف كيف تنبأت أعمالها المبكرة بذلك. كان من الممكن تعميق الفهم بمزيد من التركيز على تجاربها الحديثة، وخصوصًا سلسلة “لوحات الهواء” التي أنجزتها بعد إعصار ماريا، إحداها سمّت ثلاثية المتحف 2020/21. في معرض ثنائي بنيويورك قُدّمت أعمال جديدة لألفاريز إلى جانب أعمال تاريخية لبوب تومبسون من الستينات، مبرِزة تلاقيهما في استخدام اللون.

خلال الخريف ركّز El Museo على فوسكو، جامعًا ثلاثة عقود من عملها. فوسكو قد تُعرف لجمهور واسع بأدائها مع غييرمو غوميز-بينا The Couple in the Cage (1992–93)، حيث تقمصا دورين من السكان الأصليين كأداء نقدي لحدائق الحيوان البشرية. أحدث أعمالها Your Eyes Will Be an Empty Word (2021) لقيت استحسانًا لتأمّلها في خسائر كوفيد-19 وضحاياه المجهولين المدفونين في جزيرة هارت بنيويورك؛ المعرض الاستعراضي بعنوان “غدًا، سأصبح جزيرة” جمع بين هذه الأعمال وغيرها ليكشف عن اتساع رؤية فوسكو وبُعديتها.

بعض أعمالها صعبة المشاهدة: Operation Atropos (2006) تُحاكي أسرى حرب وتُظهر أساليب استجواب تلامس حدود التعذيب؛ أعمال أخرى تفكّر في كيف قد يكتسب النساء القوة بالانخراط في المِرفق العسكري الصناعي، أحيانًا عبر المشاركة في عمليات قمعية. قاعة المعرض الأخيرة جمعت أعمالًا عن كوبا، مسقط رأس والدتها المنفية، وتأمل ما يطرأ على ثقافة تحت حكم قمعي طويل. المتحف مدد العرض حتى مارس—يُعَدُّ زيارة لا تفوّت.

عرض شخصي للفنانة أوفيليا إسبارزا في Vincent Price Art Museum بمونتيري بارك يُصنّف من أفضل ما قدّم هذا العام. لعقود كانت إسبارزا أمًّا روحية لمجتمع شرق لوس أنجلوس الفني، وجزءًا من Self-Help Graphics واحتفالات Día de los Muertos عبر المدينة. إلى جانب إعادة بناء مذابح (ofrendas) عائلية مدهشة، ظهرت تجاربها في الطباعة—التي كان يجهلها جمهورها غالبًا—كسحر مفاجئ في المعرض. عرض المتحف كيف ابتكرت إسبارزا تصاميم مآثر منزلية ضخمة، بالتعاون مع أبنائها وأحفادها، معيدةً خلق مشاهد الميلاد المتوارثة عبر أجيال؛ هذه اللحظات الخاصة حولتها إلى فن رفيع.

التجمعات

رغم أهمية المعارض الفردية المتأخرة، فإن إدراج فنّانين لاتينيين في المعارض الجماعية الكبرى يظل حيويًا. هذا العام لم يكن معرض Made in L.A. بمتحف هامر هو المثال الأفضل؛ الإصدار الذي خلط 28 فنانًا بدا بلا موضوع واضعًا محصلات الإنتاج الفني في لوس أنجلوس في موقف محايد إلى حد ما. مع ذلك، برزت أعمال مثل لوحة مختلطة لغبرييلا رويز وتركيب خارجي ضخم لباتريك مارتينيز يعرض لافتات نيون تقول: “AGUA IS LIFE; NO ICE.”

متحف ويتني سعى خلال العقد الماضي لإدماج الفن اللاتيني ضمن خطاب الفن الأمريكي. معرض “Surreal Sixties” عرض أعمالًا لفنانين مثل لويس خيمينيز، روبرت غارسيا، ميل كاساس، ولكنة هورتادو، ماريسول، وإدواردو كاريو، إلى جانب أسماء أكبر، ما جعل قراءة كيف عبّر فنانو أصول لاتينية عن تقلبات الستينات أمرًا بارزًا. عمل Jiménez Blond TV Image (1967)، المنشأ حديثًا في مقتنيات المتحف، من بين أبرز الأعمال.

ملاحظات متنوعة

ميامي احتضنت عدة عروض لافتة. في Museum of Contemporary Art North Miami تربط ديانا يوسيبيو بين تراثها الأفرو-دومينيكاني من جهة والهوية الكيشوا البيروية من جهة أخرى، مستندةً إلى أصباغ طبيعية مشتركة. في Pérez Art Museum Miami عرض إخوة جيمينيز التوأم أعمالًا مستلهمة من ديانة Lucumí بأيقونات سوداء بارزة، مظهرة كيف ينتج الفن عبر خلط مصادر متباينة من التاريخ الفني والدين الشعبي لتشكيل مزج خاص.

في MoMA PS1 يقام استعراض متجول لفاغينال ديفيس، التي تربت في لوس أنجلوس وتقيم اليوم في برلين؛ عملها متعدد التخصصات يستكشف السواد والكونرية والطبقات المهمشة. في ثمانينيات القرن الماضي شاركت في مشهد تشيكانو تحت الأرض وشكّلت فرقة ¡Cholita! بهدف تقديم سياساتنا بروح مرحة غير متعصبة. فيديو لأدائها الصاخب سيظل في ذهنك لأيام.

هذا العام شهد معارض جماعية طموحة عن وجهات الحياة اللاتينية: Huntington قدم “Radical Histories” باستخدام مجموعات مطبوعة تشيكانو من Smithsonian؛ Cheech عرض نسخة محدثة من “Soy de Tejas” لمسح فني في تكساس؛ والمتحف McNay استضاف “Rasquachismo: 35 Years of a Chicano Sensibility” الذي تتبعه ميا لوبيز، أول قيّم لاتيني في المتحف، مرجّحًا أن لا ثمة شكل جمالي واحد للـLatinx art.

أيضًا نُشرت مجموعتان مهمّتان: Nuyorican and Diasporican Visual Art: A Critical Anthology بتحرير أرلين دافيلا وياسمين راميريز، وA Handbook of Latinx Art بتحرير روثيو أرندا-الفارادو وديبوره كولين-موراليس. هاتان الجامعتان تضيفان أساسًا علميًا متاحًا لفن لاتينيكيس. وفي الوقت نفسه، تقدم Jessica Lopez Lyman كتاب Place-Keepers: Latina/x Art, Performance, and Organizing in the Twin Cities لمحة قيمة عن الفن اللاتيني في منيابوليس وسانت بول، مدناً غالبًا ما تُتَغاضى عن مجتمعاتها اللاتينية.

عندما لم يكفني الفن البصري عبر عام 2025 التفتُّ إلى سلسلة “Dragvestigations” للدراغ كوين Lushious Massacr من براونسفيل، تكساس؛ تسلّط الفيديوهات ضوءًا فكاهيًا وناقدًا على ثقافة الاستهلاك والتمثيل، وتكريماً لسلطنات مثل سيلينا وسوزيت. مع مرور العام كرّست Lushious مقاطعها للمهاجرين غير الموثقين والأطفال والنساء المتحولات—مزيج من الكوميديا والجدية الذي نحتاجه أحيانًا.

نظرة إلى الأمام

طُرِحت عليّ هذا العام أسئلة عن قيمة الفن في زمن أزمة سياسية كعهد ترامب. أرى أن الفن، كما رأيت في معرض “Radical Women: Latin American Art, 1960–1985” في هامر، يمكن أن يكون مدرسة للمرونة: فنساء عملن تحت دكتاتوريات قدّمن فنًا ذكيًا ومموّهًا أحيانًا لتفادي الرقابة وولادة أساليب مبتكرة.

من هؤلاء اللوطي روزنفيلد، التي عملت تحت حكم بينوشيه في تشيلي، ومعرضها الاستعادي في Wallach Art Gallery بجامعة كولومبيا —المعنى في العنوان “مساحات غير مطيعة”— يقدّم درسًا في كيف تحيا وتصنع الفن تحت قمع النظام، من أصوات انتخابية مرتجلة إلى نشر قصائد من طائرات.

رغم صعوبة الرؤية أحيانًا، يصبح الفن ضرورة تجد فيها بصيص أمل. هناك آفاق مشرقة في 2026: معرض “Let Us Gather in a Flourishing Way” سيفتتح في Buffalo AKG Art Museum في مارس ثم يجول أنحاء البلاد، منسقته الرقمية أندريا ألفاريز ستقدّم ما يقارب 60 فنانًا لاتينيًا يعيدون تعريف التصوير. وبينيال ويتني القادمة سيشرف عليها مارسلا غيريرو إلى جانب درو سوير؛ هي قائمة يراقبها كثيرون، مع فنانين معروفين وآخرين أقل شهرة مثل كارمن دي مونتفلوريس—أم آندريا فرازر—وسينضم إليها طيف من الأسماء المألوفة والجديدة. ما ستجلبه 2026 يبقى سؤالاً مفتوحًا، لكن الفن سيظل مسرحًا للمقاومة والخيال والأمل.