تأسس معهد الفن في شيكاغو عام 1879، ويُعدّ من أقدم المتاحف في الولايات المتحدة ومن أبرزها على الإطلاق. يمتد المعهد عبر مبنيين مترابطين وتبلغ مساحتهما نحو مليون قدم مربعة، ما يجعل التجوّل داخله تجربة قد تبدو مرهقة أو مُرعبة قليلًا للزائرين لأول مرة.
اطرح على عشرة أشخاص سؤالاً عن أهم ما يجب رؤيته هناك فستحصل على عشرة إجابات مختلفة: سيُوجّه بعضهم نحو قاعات الانطباعيين حيث تنتظر أعمال شهيرة عالميًا لفان غوغ وكايبوت وسيورا؛ وسيشير آخرون إلى قسم السريالية المليء بالكنوز؛ بينما سيحثّك السكان المحليون غالبًا على استكشاف زوايا أقل شهرة في المتحف، وعلى رأسها القبو حيث تعرض مدن صغيرة مفصّلة من صنع نارسيسّا نيبلاك ثورن.
لراحتك جمعنا قائمة تضم مئة عمل تستحق المشاهدة في المعهد. تتراوح هذه الأعمال من تماثيل يونانية قديمة إلى شاشات يابانية مطوية، ومن نادرات العصور الوسطى إلى روائع الحداثة؛ وهي معًا تقدّم نظرة شاملة لتاريخ الفن العالمي التي تتسع يوماً بعد يوم مع اقتناء المعهد لمزيد من الأعمال التي تملأ ثغرات مجموعته الواسعة.
نقطتان مهمّتان يجب الانتباه إليهما: أولًا، الأعمال المذكرة أدناه ليست مُرتّبة حسب درجة الأهمية أو الجودة، بل مجمّعة تبعًا للأقسام التي تُعرض فيها داخل المتحف. وثانيًا، بذلنا قصارى جهدنا لتمييز الأعمال غير المعروضة حاليًا، لكن الوضع قابل للتغيّر باستمرار لأن القطع تُعار لمعارض خارجية أحيانًا وتُجرى أعمال تجديد وإعادة تعليق للمعروضات دورياً. راجع موقع معهد الفن للحصول على أحدث المعلومات حول المعروضات.
Edward Kemeys — الأسد، 1893
منذ افتتاح المتحف للجمهور في 8 ديسمبر 1893، ظلّ هذا التمثال في مكانه نفسه؛ فقد يتجاوز وزنه الطنّين، أي انه شئ ثقيل للغاية لنقله بسهولة. صُنع التمثال على يد إدوارد كيميس، الذي اشتهر كفنان متخصّص في تصوير الحيوانات (animaliers)، ويُعدّ بحسب بعض المصادر أول من مارس هذا النوع في الولايات المتحدة. لم يتلقَّ تعليمًا فنيًا نظاميًا بل تدرّب في صناعة الحديد، وبعد حرب أهلية درس عن كثب حيوانات الدنيا—الثلود، والأسود، والذئاب—في حدائق الحيوان واستثمر تلك الملاحظات في منحوتات دقيقة التفاصيل. بأسدٍ ذي لبدة منسابة وصدر نحيل، يشكّل هذا الأسد، أحد اثنين عند مدخل شارع ميشيغان، أيقونة لا غنى عنها لواجهة المعهد.
أين يُعرض: أرض متحف المعهد
Narcissa Niblack Thorne — A18: غرفة جلوس شاكر، نحو 1800 (منفّذ circa 1940)
تقع بعض أعظم جواهر المعهد في معرض سفلي قد يصعب على الزائر العثور عليه. يضمّ هذا القبو 68 مشهدًا مصغّرًا معقّدًا من صنع نارسيسّا نيبلاك ثورن، التي أنتجت نحو مئة عمل مماثل. بإتقان مذهل في التفاصيل، أعادت ثورن خلق داخليات تستحضر غرفًا فرنسية ويابانية وأمريكية وغيرها، ممتلئة بكراسي وزرابي وثريات وخزائن بحجم طفولي دقيق. المتعة لا تقتصر على رؤية تلك الفضاءات المُزدانة بكثافة، بل تتجلى أيضاً في تقديرها لدى العرض البسيط المتقشّف، كما في هذه النسخة المصغّرة التي تُحاكي غرفة جلوس شاكر حيث حتى ألواح الأرضية قد حفرت لتظهر عليها آثار البلى.
أين يُعرض: قاعات الفنون التطبيقية
نعش ومومياء بانخ إن آمون، حوالى 924–889 قبل الميلاد
تحتوي قاعات المعهد على ما يمكن تسميته جسدًا ميتًا: مومياء بانخ إن آمون، رجل مصري عاش نحو سنة 900 قبل الميلاد وحُنيط عند وفاته. تستقر بقاياه الآن داخل هذا النعش المطلي، الذي يُعدّ من نجوم قاعات الفن المصري، الصغيرة نسبيًا لكنها غنية بالكنوز. كما كان معهوداً في النُّعوش المصرية القديمة، كُتب أو صوِّر على هذا النعش مشاهد تُجسّد مسار صاحبه إلى العالم الآخر؛ في لوحات النعش يظهر بانخ إن آمون يمشي ممسكًا بيد حورس، الإله صاحب رأس الصقر. منذ اقتناء المعهد للنعش قبل أكثر من قرن، خضع لدرسات متكرّرة؛ في 2014 أرسله القيمون للفحص بأجهزة مسح متطورة في مستشفى محلي، فأظهرت النتائج أنّ الرجل كان في منتصف العمر لحظة وفاته.
أين يُعرض: قاعات الفن المصري
غطاء جنازي مُشبك بالخرز، 664–525 قبل الميلاد
الخرزة الكبرى في مركز هذا الغطاء تشير إلى الخنفساء (السكاراب)، رمز إله الخلق والتجدد خِبري (Khepri). كان يُوضَع هذا الغطاء فوق المومياء استعدادًا للدفن، بحيث تنزلق الشبكة المزدانة بالخرز على وجه المحنّط المغطّى بالشاش. الأمل—ربما—كان في أن يمرّ صاحبها بالعالم الآخر ثم يعود إلى الحياة من جديد. ورغم أن عمره يقارب 2500 سنة، لا تزال خرزات الفيانس تحتفظ ببريقها، وأزرقها العميق قد يُنافس لوحات ألمة توماس من القرن العشرين الموجودة في قاعات الفن المعاصر. هل تود معرفة كيف خيط الصانع كل خرزة بدقة؟ المتحف أعد دليلاً مفصلاً يشرح ذلك بالكامل.
أين يُعرض: قاعات الفن المصري
تمثال صغير لِشخصية نسائية، 2600–2400 قبل الميلاد
قليل من الأعمال المعروضة بانتظام في معهد الفن أقدم من هذا التمثال الصغير الذي يرجع إلى العصر البرونزي المبكر. هو مثال بارز على الجمالية التقشفية التي ميّزت فن جزر السيكلاد في تلك الحقبة؛ يصوّر التمثال شخصية ذات ذراعين متقاطعتين على الصدر وبطن ممتلئ قليلاً قد يلمّح إلى أنها امرأة حامل. تمثال صغير بتفاصيل مبسطة — ربما كانت العيون والشعر مرسومةً سابقاً — لكن تلك الزخارف وكل ما أُضيف إليه اختفت مع الزمن. ومع ذلك، يبقى التمثال جميل الشكل، بل ويشعر الناظر بأن تأثيرات النحت العصري في القرن العشرين قد تلوح في ملامحه.
حقوق الصورة: معهد الفن في شيكاغو
مكان العرص: قاعات الفن اليوناني والروماني
—
وعاء كراتر ذو زوائد لولبية، نحو 340 قبل الميلاد
حقوق الصورة: معهد الفن في شيكاغو
في هذا الوعاء المزخرف بمهارة يهيمن أورفيوس على المشهد، ورأسه يبدو كأنه يطفو بين أزهار ملتفة متشعبة. تحته يجلس جندي شاب وشخص ذكر آخر عرّفه المعهد إمّا كمعلمه أو فيلسوفه. تمثالُهما موضوع داخل ناكسوس، أي تابوت، ويتبادلان الحديث بين شخصيات قد ترمز إلى أرواح راحلة. اسم الصانع اليوناني القديم غير معلوم، لكن الباحثين نسبوا العمل إلى رسامٍ يصنفه العلماء باسم “رسام كوبنهاغن 4223″، صاحب براعة واضحة في زخرفة الأواني، وتوجد أعمال مماثلة في المتحف البريطاني ومتاحف أخرى.
حقوق الصورة: معهد الفن في شيكاغو
مكان العرض: قاعات الفن اليوناني والروماني
—
لوحة معمارية بارزة تُصوّر معركة العمالقة (القتال بين الآلهة والعمالقة)، القرن الثالث–الثاني قبل الميلاد
حقوق الصورة: معهد الفن في شيكاغو
خارج الأوساط الأكاديمية قد تبدو الفن الإتروسكي أقل حضورا من الفن اليوناني والروماني، لكن هذا اللوح المعماري يثبت جدارة الفن الإتروسكي بالاهتمام. المنحوت من الطين المحروق—المادة التي تفنن فيها الحرفيون الإتروسكيون—يُظهر عملاقًا في صراع مع إله وإلهة ترفان ثيابهما أثناء القتال. مثل هذه اللوحات كانت تزيّن المباني، وربما كانت معبدًا في هذه الحالة حسب تقدير المتحف، وقد صبغت يومًا ما؛ ورغم ذهاب كثيرٍ من الألوان لا يزال بقايا لون محمر واضحة.
حقوق الصورة: معهد الفن في شيكاغو
مكان العرض: قاعات الفن اليوناني والروماني والبيزنطي
—
تمثال ساتير فتيّ يرتدي قناعًا مسرحيًا لسيلينوس، نحو القرن الأول الميلادي
حقوق الصورة: معهد الفن في شيكاغو
أغرب الأعمال في المعهد قد يكون هذا التمثال الشاب الذي يدفع يده خلال قناع مسرحي لساتير أكبر سنًا. ما دلالة هذا الفعل؟ أجابت كارن مانشستر، رئيسة قسم الفن القديم والبيزنطي في المتحف، أن تماثيل رومانية شبيهة تجسّد تابعًا مشاغبًا لديونيسوس يخيف بلعبته ساتيراً آخر يقف مقابله؛ وربما كان رفيقٌ كهذا موجودًا أصلاً إلى جانب التمثال. على أي حال، يبقى العمل محيِّراً لسبب آخر: إنّ ترميمه في القرن السابع عشر قام به النحات الباروكي الشهير أليساندرو ألغاردي، ومنذ إعارته إلى المتحف عام 2014 اكتسب هذا التمثال جماهيرية خاصة.
حقوق الصورة: معهد الفن في شيكاغو
مكان العرض: قاعات الفن اليوناني والروماني والبيزنطي
—
شظية من تمثال فينوس، القرن الأول–الثاني الميلادي
حقوق الصورة: معهد الفن في شيكاغو
كان النحاتون الرومان مبرعين في تقليد الرخام اليوناني بدقة مذهلة، وهذه الشظية الرومانية الرقيقة تجسّد إعادة إنتاج لعمل يوناني قديم منسوب إلى كاليماخوس، حيث يظهر درع شفاف ينسدل على صدر المرأة المكتنز. هنا تبدو آلهة الحب اليونانية في صورة فينوس الرومانية، مكشوفة منطقة السرة والبطن بما يبرز دورها كأم. يوليوس قيصر ادّعى نزعه النسب من فينوس وزين معابد مكرَّسة لها بتماثيل شبيهة.
حقوق الصورة: معهد الفن في شيكاغو
مكان العرض: قاعات الفن اليوناني والروماني والبيزنطي
—
تمثال آفروديت كنيدوس، القرن الثاني الميلادي
حقوق الصورة: معهد الفن في شيكاغو
مثل كثير من التماثيل الرومانية، هذا العمل إعادة لصياغة يونانية مفقودة للشاعر النحات براكسيتيلس، أحد رواد النحت الكلاسيكي. النسخة الرومانية تظهر بعض ابتكاراته—كواقفة التوازن (كونترابوستو) التي توزَّع الوزن على ساق دون أخرى—لكنها تختلف جوهريًا عن الأصل: فالنسخة اليونانية كانت تمثيلًا إلهيًا مكرَّسًا لموقع مقدس في جزيرة كنيدوس، بينما النسخة الرومانية وُضعت في حديقة أحد الأثرياء، فتعرضت عناصرها السطحية للتجعد والتآكل مع الزمن.
حقوق الصورة: معهد الفن في شيكاغو
مكان العرض: قاعات الفن اليوناني والروماني والبيزنطي
—
شَظِيّة فسيفساء تُظهر رجلًا يقود زرافة، القرن الخامس الميلادي
حقوق الصورة: معهد الفن في شيكاغو
في مقابل ثراء التماثيل اليونانية والرومانية، تبدو مجموعة الفن البيزنطي في المتحف محدودة نسبياً، إلا أن هذه الفسيفساء البيزنطية تفرض حضورها. وربما صُنعت لمنزل عائلة ثرية في سوريا أو لبنان، وتُظهر رجلاً يقود زرافة بقيد ملفوف حول رأسها. كانت الزرافات محط فضول واسع في البيزنطة، إذ جلبها الأباطرة من أفريقيا وعرضوها للناس. هذه الفسيفساء ليست الوحيدة التي تصوّر زرافة، لكنها متميزة باقتصاد التعبير: عيون الرجل مثلاً مُشكَّلة ببضع قطع بيضاء فقط.
حقوق الصورة: معهد الفن في شيكاغو
مكان العرض: قاعات الفن اليوناني والروماني والبيزنطي
—
نموذج لحظيرة خنازير ومرافق مرحاض/صرف صحي، 100 قبل الميلاد–100 بعد الميلاد
حقوق الصورة: معهد الفن في شيكاغو
ما نراه هنا في الأساس هو مرحاظ أنيق للغاية، يعكس اهتمام القدماء بتصميم أماكن يومية عملية تمزج بين الفاعلية والجمال. تمثال من أسرة هان — خنازير بجوار سلم يؤدي إلى مرحاض
مصدر الصورة: معهد الفن في شيكاغو
في هذا التمثال المنحوت من عهد هان، تتراص عدة خنازير قرب سلم يؤدي إلى مرحاض؛ ففي الواقع كانت الفضلات تتدفّق عبر مواسير إلى حيث تتغذى عليها الخنازير. قد يبدو الموضوع بعيداً عن أيِّ تصور للجمال، لكن صانع التمثال نجح في تحويله إلى مشهد بديع، فوَصف كل خنزير بأسلوب فرديّ يسمح بتبيّن عمره وحتى مزاجه. من المرجح أن التمثال وُضِع في قبر—فالمقابر الصينية القديمة كانت تحوي غالباً نماذج للهياكل والأشياء اليومية—ويُحتمل أنه أتى من ما يُعرَف اليوم بمقاطعة خنان.
مكان العرض: قاعات الفن الآسيوي
لوح نذري بوذي، سنة 551 م
مصدر الصورة: معهد الفن في شيكاغو
يرتفع هذا اللوح إلى أكثر من 11 قدماً، فيهيمن على الجوار في قاعات الفن الصيني. كُلف اللوح من قِبل أسرة متدينة رغبت في نيل شفاعة البوذا، ويضم تمثيلات متعدّدة للناسك المتجوّل، بينها مشاهد تُظهره في لحظات الموت والتحضير للحرق. تحيط بتلك المشاهد حشود متلألئة من الشخصيات: عابِدون ورُهبان وموسيقيون وغيرهم. كانت مثل هذه الألواح تُعد في الأصل لساحات المعابد أو الأماكن العامة، ومع ذلك فهي لا تزال تجذب الإعجاب حتى داخل معهد الفن.
مكان العرض: قاعات الفن الآسيوي
سُوغْيُو هاتشي مان، القرن العاشر
مصدر الصورة: معهد الفن في شيكاغو
هاتشي مان، إله المحاربين، إله تراصُّفي يمزج عناصر الشنتوية والبوذية. يتحوّل في صور متعددة، وهنا يُصوَّر كراهب حليق الرأس وملتفّاً بكساء يُعرف بـ«كِيسا» على صدره. من المحتمل أن نُحِت للعمل ليُستَخدم في مواكب دينية؛ فقد بُنيت الهيئة الخشبية بأنيقٍ متقن، بحيث تبدو طيات الرداء كأنها تَتلوّى. يشهد التمثال على التلاقح الثقافي الغني في اليابان، حيث ترسَّخ البوذية قبل قرون قليلة من صنعه.
مكان العرض: قاعات الفن الآسيوي
شيفا سيد الرقص (ناتاراجا)، القرن 10/11
مصدر الصورة: معهد الفن في شيكاغو
في هذا التمثال البرونزي، يُصوَّر شيفا وهو يرقص، يدور متمهّلاً وشعره يتطاير في كل الاتجاهات. محاطٌ بحلقة من النار، وربتُه تقف على غانغا، إلهة الأنهار. نُحِت العمل في عصر سلالة تشولا بالهند، في زمن بلغت فيه عمارة المعابد ذروتها؛ وكان يُحَمَل في الاحتفالات الدينية. منذ منتصف الستينيات أصبح هذا التمثال ركناً بارزاً في رواق طويل داخل معهد الفن مخصّص أساساً للفن الهندي.
مكان العرض: قاعات الفن الآسيوي
غوانيين جالس، 960–1279 م
مصدر الصورة: معهد الفن في شيكاغو
في التعاليم البوذية، يرتبط البوذيساتفا بصفات محدَّدة؛ وغوانيين عادة ما يُرادف الرحمة والشفقة. يظهر هذا التمثال البوذيساتفا جالساً في وضعية تُعرف بـ«غوانيين بحار الجنوب»، حيث يستند بذراع على ركبة مثنية. تتكرر نسخ مماثلة عبر التاريخ الصيني، لكن هذا النموذج يعبّر عن حسية خاصة بعصر سونغ، حيث سعى الفنانون إلى مزيد من الطابع الطبيعي. نُحِت التمثال من خشب الباولونيا، وأُعيد تلوينه في عهد مينغ وغُطّي بقطعٍ من الذهب، الذي تآكل معظمُه مع مرور الزمن فلم يعد يلمع كما كان.
مكان العرض: قاعات الفن الآسيوي
بوذا شاكيا مووني جالس في تأمل (دهيانامودرا)، نحو القرن الثاني عشر
مصدر الصورة: معهد الفن في شيكاغو
مع سقوط إمبراطورية بالا في القرن الثاني عشر، بدأت البوذية تتراجع في معظم أرجاء الهند، لكن بلدة ناغاباتينم ظلت استثناءً خلال عهد تشولا، لوجود النفوذ السيريفيجاي القادم من مناطق ما يُعرف اليوم بإندونيسيا. هذا البوذا الجالس منقوش من الغرانيت، والعملُ مقتصد في تفاصيله فلا يحاول محاكاة الحياة بدقة؛ يبلغ ارتفاعه أكثر من خمسة أقدام، وإذا نهَضَ لَكان مهيباً متربّعاً فوق الناظرين.
مكان العرض: قاعات الفن الآسيوي
كارتّيكيّا، قائد الجيش الإلهي جالساً على طاووس، نحو القرن الثاني عشر
مصدر الصورة: معهد الفن في شيكاغو
كارتّيكيّا، إله الحرب الهندوسي، يظهر هنا بستة رؤوس واثني عشر ذراعاً في تمثالٍ نُقِش من البازلت الثقيل. يرجع العمل إلى عصر غانغا، ويُصوِّر الإله جالساً فوق طاووس؛ تبدو ريشات الطائر الكثيفة مرآةً لاتساع ذراعي كارتّيكيّا المتفرعة كأنها مروحة. يُعَدُّ هذا العمل من كنوز القاعة الواسعة للفن الهندي في معهد الفن، ويُحتمل أن أصله من مدينة مادنابالي في ولاية اندرا براديش، وفقاً للمتحف.
مكان العرض: قاعات الفن الآسيوي
قِرْب إناء على شكل بطة مع كاهن طاوي، نحو القرن الثاني عشر
مصدر الصورة: معهد الفن في شيكاغو
من الصعب مقاومة شكل هذا الإناء: كاهن طاوي واقف فوق بطة مبتسمة ضخمة disproportionally كبيرة. وبرغم أنه يُعَدُّ من أطرف القطع في المتحف، فإن للحالة الوظيفية للأداة نصيباً من الاهتمام؛ ففي استعماله الأصلي كان يُسكَب الخمر في فتحة أعلى الإناء، في وعاء الكاهن، ثم يتدفّق إلى الخارج من فم البطة.
مكان العرض: قاعات الفن الآسيوي إناء رشيق من عهد مملكة غورييو بكوريا، أُنتج على نحوٍ مُتقَن في أسلوب الخزف المعروف بالسيلادون، الذي تُقدَّر فيه الأشكال النقية المنحنية والطلاء ذو الملمس الأخضر الهادئ والخاصّ.
المصدر: معهد الفن في شيكاغو
مكان العرض: صالات الفن الآسيوي
————————
هَسِغاوا سُويا — جسر الصفصاف والعجلة المائية، نحو 1650
شِاشة مطوية من فترة إيدو تشغل موقعها المركزي في القاعة رقم 109، والمعروفة غير رسميًا باسم قاعة تاداوو أندو بفضل المهندس المعماري الشهير. تُعدّ هذه القاعة ملاذًا هادئًا بعيدًا عن صخب الأقسام المجاورة ومكانًا ملائمًا للتأمّل الصامت؛ تكرّس للشعر الياباني البسيط وتعرض عددًا محدودًا من الأعمال كبيرة القياس. تتقاطع على الشاشتين جسرٌ مقوس، وتحاكيان صفوف الصفصاف المتدلية بجذورها المعقوفة. تخطّى هاسِغاوا السُّعي إلى التقليد الحرفي للطبيعة ليلجأ إلى التعبيرية: غطّى مساحات واسعة من السطح بطلاءٍ ذهبي يُلقي وهجًا غير أرضي. استلهم الانطباعيون الفرنسيون—الذين تُعرض أعمال بعضهم في قاعات المعهد المرموقة للفن الأوروبي في القرن التاسع عشر—أفكارًا من أعمال يابانية مماثلة.
المصدر: معهد الفن في شيكاغو
مكان العرض: صالات الفن الآسيوي
————————
جرة القمر، أواخر القرن السابع عشر — مطلع القرن الثامن عشر
من بين التجديدات البارزة التي شهدها المعهد في 2024 افتتاح مجموعة جديدة مخصّصة للفن الكوري، انعكاسًا لاهتمام متزايد بأعمال هذا البلد. أظهرت هذه المجموعات أعمالًا بارزة لم تحظَ بالسابق بنفس القدر من الاهتمام، من بينها هذه الجرة القمرية من عهد جوسون. تُقدَّر أوعية الخزف ذات الشكل البالوني عالياً، وتُحبَب لجمال استدارة قوامها. ورغم أن معظم جرار القمر بيضاء بالكامل، تظهر على هذه الجرة بقع وردية على السطح؛ يربط المعهد هذه البقع ببقع صبغية أو بقع افتراضية تتشكّل أثناء الحرق، وإلا فهي لا تُنقص من الجمال بل تكسبها طابعًا فريدًا.
المصدر: معهد الفن في شيكاغو
مكان العرض: صالات الفن الآسيوي
————————
جرة مزينة بنرجس، توت الناندينا، فطر اللينغتشيّ والصخور، 1723–1735
في عهد مينغ، مارَس الحرفيون الصينيون تقنية “دوكّاي” في تلوين الخزف، حيث يبقى محيط الرسم الأزرق تحت الطلاء مرئيًا ليؤطر الأشكال المرسومة فوقه. ازدهرت خزف الدوكّاي في القرن الخامس عشر ثم فقد شعبيةً قبل أن يعود إلى الاهتمام مجدّدًا خلال القرن الثامن عشر في عهد تشينغ. تنتمي هذه الجرة إلى ذلك الإحياء، وتُظهر جمالًا مستوحى من esthetic المينغ: تحدّد أطراف سيقان وبتلات زهرة النرجس بلوّن أزرق واضح، وتنبثق أسفلها مجموعات من فطر اللينغتشيّ المحمرّ، كأنها توحي بتعايش متناغم لعدة عوالم حية داخل مشهد واحد.
المصدر: معهد الفن في شيكاغو
مكان العرض: صالات الفن الآسيوي
————————
أوتاغاوا هيروشيغي — حقول الأرز في أساكوسا ومهرجان تورينوماتشي، 1857
كان أوتاغاوا هيروشيغي أحد أبرز فنّاني الطباعة الخشبية من مدرسة الأوكييو‑إي، التي قدّمت مشاهد للحياة الحضرية في اليابان خلال فترة إيدو. لا تزال شهرته قائمة بفضل سلسلة “مائة منظر شهير لإيدو”؛ يملك المعهد عشراتًا من مطبوعات تلك السلسلة ويعرضها متقطّعًا. تبدو هذه الطبعة، عند النظر الأول، أكثر حميمية مما تتوقع: تصور داخل بيت دعارة في منطقة يوشيوارا بطوكيو مع ثوب سيدة مرمي على حافة النافذة. عنوان العمل قد يشير إلى مهرجان، لكن المشهد الفعلي يخصّ قطة تطلّ من الداخل، تراقب المشهد من علوٍّ بمنتهى الاطمئنان.
المصدر: معهد الفن في شيكاغو
مكان العرض: صالات الفن الآسيوي
ملاحظة: لم تُعرض هذه العمل حالياً
————————
ثنائي اللوحتين: العذراء والطفل على العرش والصلب، نحو 1280
رغم أن للمتحف مجموعة متواضعة نسبياً من الفنّين البيزنطي والوسيط، فإنها تشتمل على قطع نفيسة؛ من بينها هذا الثنائي. يجمع العمل بين موضوعين مألوفين: العذراء جالسةً على عرشها مع الطفل المسيح، ومشهد الصلب بجانبه—زوجان يختصران قصة المسيح قبل القيامة. اللوحتان، المرتبطتان بمفصلات ومصممتان لتفتحا طقسيًا للعبادة الخاصة، تبرزان بتفاصيل من رقائق الذهب: لاحظ زخارف الهالة الدقيقة حول العذراء والملائكة، شبكة من الخطوط المتقنة التي تستحضر جمال الخط العربي من حيث الحِرفية والتكرار البديع.
المصدر: معهد الفن في شيكاغو
مكان العرض: قاعات الرسم والنحت الأوروبي
————————
برنات مارتورييل — القديس جورج والتنين، 1434–1435
تتكرّر في الفنّ مشاهد القديس جورج، الجندي الذي نال مكانته في الأساطير المسيحية لقتل تنين كان يرهب مدينة سيلين، إلا أن نسخة برنات مارتورييل تُعدّ من أكثرها حيويةً وإشراقًا. هنا يحلّق القديس جورج متجهًا صوب الوحش، والاختلاف في مقاييس العناصر يجعل المشهد متنوعًا: الأميرة التي طلبت منه الرحيل تبدو في الخلفية، والوحش بصدره المفتوح يبرز أنيابه الحادة، بينما حشد بعيد يراقب الحدث. لم يكن مارتورييل وزملاؤه قد استكملوا بعد قواعد المنظور التي بدأ فنّانو النهضة في إيطاليا بصياغتها، ولهذا يختلّ في هذه اللوحة توازن المنظور ويبدو المشهد مشوهاً بطريقة تمنحه طابعًا سرديًا خاصًا.
المصدر: معهد الفن في شيكاغو
مكان العرض: قاعات الرسم والنحت الأوروبي لا بأس—رغم بعض الحرج الفني، يظل عمل «القديس جورج والتنين» ناجحًا ومثيرًا للإعجاب، ويجتذب المعجبين حتى اليوم.
أين تُعرض: قاعات الرسم والنحت الأوروبية
ساندرو بوتيتشلي، العذراء والطفل مع ملاك، 1475–1485
في حين يجب أن تسافر إلى إيطاليا لرؤية أفضل لوحات بوتيتشيلّي، فإن امتلاك متحف في الولايات المتحدة لعمل من هذه اليد هو أمر يبعث على الفخر. في هذه اللوحة يعود الفنان إلى موضوع كتابي متكرر: مريم العذراء تحتضن الطفل يسوع. لكن بدلًا من وضع المشهد في سماء قديمة أو فضاء مقدس بعيد، يختار بوتيتشيللي أن يجعل الأم والابن واقفين أمام مرج أخضر مجاور لنهر—مشهد مألوف في إيطاليا التي عاش فيها الفنان. بهذه الخطوة يؤسس علاقة حميمة بين القداسة والحياة اليومية. ولزيادة الطابع الإنساني، منح مريم نظرة أمومية خافتة، تتسم بالحزم والدفء، وهو ما نادرًا ما نجده في الفن الوسيط.
أين تُعرض: قاعات الرسم والنحت الأوروبية
ورشة ديريك بوتس، مادِر دولوروزا (العذراء الحزينة)، نحو 1490
يبدو أن ديريك بوتس، الرسام الشمالي المتعملق في فلاندرز، لم ينفذ هذه اللوحة بيده مباشرة بل قدّم تصاميمٍ نفذها أفراد ورشته—لكن النتيجة مذهلة. العمل بالزيت، الوسيط الذي منح الرسامين الشماليين قدرة على تسجيل تفاصيل دقيقة لا تتيحهّ tempera الإيطالية، أتاح للورشة تجسيد كل قطرة دمعة منتفخة على خدّ هذه العذراء، التي ربما كانت تُقابل لوحة يسوع المتوّج بإكليل الشوك. رسمات بوتس تشير إلى نزوع نحو الطبيعية المكثفة: هذه العذراء لا تبكي بأناقةٍ مُصطنعة، بل ذابت عيونها من كثرة الحزن حتى احمرّت مع مرور الدموع.
أين تُعرض: قاعات الرسم والنحت الأوروبية
جيوفاني باتيستا موروني، جيان لودوفيكو مادروزو، 1551–1552
عرف موروني في لومبارديا القرن السادس عشر بصوره القاسية والبسيطة، لكن سُمعة الفنان تعرّضت لانتقادات لاحقة؛ فقد قال المؤرخ بيرنارد بيرينسون إن شخصيات موروني «مملة في كونها نفسها». غير أن تلك البساطة هي التي تمنح لوحة مثل هذه قوة مدهشة. تجسّد اللوحة الكاردينال جيان لودوفيكو مادروزّو، واحدًا من المشاركين في مجمع ترينت الذي ردّ على الإصلاح البروتستانتي بإصلاحات كنسية داخل الكاثوليكية. يصوّر موروني مادروزّو كرجل منيع أمام البذخ الذي كان يميّز بعض طبقات الكنيسة—شخصية صارمة تحترم ويجب أخذها على محمل الجد. يبلغ ارتفاع اللوحة أكثر من ستة أمتار، فتطغى على المشاهد كما لو أن الرجل أكبر من الحياة، تمامًا كما يبدو الكلب المطيع بجانبه صغيرًا وبقيًا في حضوره.
أين تُعرض: قاعات الرسم والنحت الأوروبية
إل غريكو، صعود العذراء، 1577–1579
يملك معهد الفن أربع لوحات رائعة لإل غريكو، أحد أعلام الحركة المانييرية، وأكثرها بروزًا هذه اللوحة التي تجسد انتقال مريم إلى السماء. كانت مخصصة لمدفن تملكه أرملة إسبانية، وتظهر براعة إل غريكو في الدراما العاطفية والتركيب التصويري الفخم؛ أقمصة تتقلب في النسيم، وأجساد تتحرك في كل الاتجاهات. حتى الموضوع ذاته مبالغ فيه: لا تمر العذراء مرور الكرام بل تطفو من فوق تابوت حجري وترتفع مستندةً إلى قمر هلالي تحت قدميها. وكما يليق بمثل هذا التعبير المتعاظم، أنجز الفنان العمل على قماش عملاق يفوق الثلاثة عشر مترا طولًا.
أين تُعرض: قاعات الرسم والنحت الأوروبية
فرانس سنايدرز، حياة ساكنة بصيد نافق وفواكه وخضراوات في سوق، 1614
لو اقتصرت اللوحة على سلة الفاكهة المتدفقة بالعنب والتفاح والكمثرى لكانت رؤية جذابة بحد ذاتها، لكن هذا المشهد الغني يقدم كثيرًا مما يستحق التدقيق: طيور معلّقة مجتمعة، أرانٍ مكدسة، غزال مقلوب، ورأس خنزير بري ينزف. تخصص الرسام الفلمنكي فرانس سنايدرز في اللوحات التي تفور بالطعام والوفرة، ويبدو أنه خشِي أن تخفي الوفرة الجانب المظلم من الحياة عن الناظر. لذلك رسم أيضًا لصًا يستعد لسرقةٍ ما وقطًا مختبئًا تحت طاولة، على أهبة القفز من الظلّ—تذكير بأن الوفرة قد تغطي عن الفقر والخطر.
أين تُعرض: قاعات الرسم والنحت الأوروبية
فرانسيسكو دي ثرباران، الصلب، 1627
تعكس هذه المشهد المؤثر من الصلب بوضوح ما أتقنه ثرباران: السواد الحالك الذي يهدد بابتلاع الشخصيات المضاءة بشكلٍ مسرحي أمامه. إن وضع يسوع أمام فراغٍ مظلم، لا في عالمنا المادي، كان قرارًا مقصودًا؛ إذ بينما وضع الفنانون في عصر النهضة المشاهد الدينية ضمن مواقعٍ أرضية ملموسة، ذهب فنّانو الباروك في اتجاه معاكس، تماشيًا مع إيمان الكنيسة الكاثوليكية بأن الموضوعات الدينية تعيش على مستوى أعلى من العالم الدنيوي. هنا يزيل زورباران عن اللوحة أيّ أثرٍ يوحي بأنّ المسيح عاش على هذه الأرض، ما عدا تفصيل واحد بارز قرب الأسفل: قطعة ورق مجعدة تحمل اسم الفنان.
مكان العرض: قاعات اللوحات والنحت الأوروبية
—
يوستاش لو سوير، التودّد (Meekness)، 1650
رصيد الصورة: معهد الفن في شيكاغو
هذا أروع أعمال قاعات اللوحات والنحت الأوروبية في المتحف؛ عمل يغشى عليه سحر خاص، وفيه من الغرابة ما قد يبدو أقلّ غرابة لو رُئِي في موضعه الأصلي. أنجز لو سوير لوحة «التودّد» لبيت باريسي لراعيٍ خاص، وكانت جزءًا من مجموعة مكوّنة من ثماني لوحات تصوّر النعَم الروحية (beatitudes)، عُرضت جنبًا إلى جنب مع لوحة مذبحية لمشهد البشارة. ولو نُظر إليها بمفردها فتبقى اللوحة قادرة على الوقوف بذاتها: يظهر حمل يقضم برفق يد امرأة مُرتدية ثوبًا أنيقًا، فعلٌ هنا يرمز إلى الخضوع والكبح. لكنّ ما يميّزها حقًا هو الخلفية الذهبية اللامعة التي تكاد تجرف العمل نحو حالة من التجريديه، تبصم أسلوبًا نابضًا بالحركة ويشعره بالحدة حتى وفقَ معايير اليوم. (كتابة خاطئة بسيطة: تجريديه)
مكان العرض: قاعات اللوحات والنحت الأوروبية
—
أدريان فان دير سبيلت وفرانس فان ميريس، لوحة خداع البصر مع إكليل زهور وستارة، 1658
رصيد الصورة: معهد الفن في شيكاغو
تجلّت قوة هذا العمل التعاوني في اندماج مزايا كلّ فنان: تولى أدريان فان دير سبيلت رسم تنسيق الأزهار، بينما رسم فرانس فان ميريس الستارة الخادعة التي تبدو في المقدّمة وتُزيّف عمق الحقل البصري. هذا النوع من الحيل البصريّة شائع لدى الفنانين المعاصرين، لكنّ خلفية الأمر مختلفة: فبينما تفكّر أعمال فنانين مثل جاسبر جونز في خواص المادة التصويرية عبر نظريات معاصرة، كان اهتمام الهولنديين منصبًّا على الاستلهام من العصور القديمة، وخصوصًا الحكاية الشهيرة للرسّام الإغريقي زيوسيس ومنافِسه بارّاسيوس، حيث فاز الأخير بتركيب ستارة في لوحة لتصوير العنب وخدع به نظر الجمهور.
مكان العرض: قاعات اللوحات والنحت الأوروبية
—
ثلاثي أيقوني (Triptych Icon)، أواخر القرن السابع عشر
رصيد الصورة: معهد الفن في شيكاغو
امتد تأثير المسيحية في عصر النهضة إلى أبعد من الشرق الأوسط وأوروبا، كما يدلّ هذا الأيقون الذي نشأ فيما يُعدّ اليوم إثيوبيا. تختلف صور حياة العذراء والمسيح هنا عن نظيراتها الأوروبية من جهةٍ رئيسية: إنّ الأشخاص المصورين ذوو بشرة سمراء زيتونية وعيْنات لوزية، كما أنّ المعالجة الأسلوبية بعيدة عن النماذج الأوروبية، فالشخصيات مطلية بألوانٍ غنية وزاخرة. بذلك تُشير الأيقونة إلى هجينة ثقافية، وكان من المناسب أن تُعرض ضمن قاعات الفنّ النهضوي لدى المتحف، لا سيما مع إغلاق قسم الفن الأفريقي للصيانة أوائل 2026، فالتقاء هذه الأيقونة بلوحات إيطالية كأعمال فرا أنجيليكو وماتيو دي جيوفاني خلق حوارًا مثيرًا عبر اختلاف الأصول والأساليب.
مكان العرض: قاعات اللوحات والنحت الأوروبية
—
هوبرت روبرت، المعبد القديم، 1787–1788
رصيد الصورة: معهد الفن في شيكاغو
هذه اللوحة الضخمة واحدة من أربع قماشات بارتفاع يقارب ثمانية أقدام كُلّف بها هوبرت روبرت من قبل ثريّ فرنسي؛ والمتحف يملِك الرباعية كاملة. تُظهر «المعبد القديم» براعة روبرت في تصوير أطلال العصور القديمة: بخلاف كثيرٍ من زملائه النيوكلاسيكيين الذين قدّموا مشاهدٍ متأنقة تُوحي بوضوح بمواقع في اليونان أو روما القديمة، كان روبرت أكثر اهتمامًا بالأعمدة والتماثيل الملطّخة بعلامات الزمن. معابده غالبًا ما تبدو خارجةً عن الزمن والمكان؛ الزوّار المرسومون يرتدون أزياء تبدو في آنٍ معًا عتيقة وحديثة. لذلك، تُعدّ لوحات روبرت أقلّ تبشيرًا بعظمة الماضي و أكثر استحضارًا لشعور الحنين الذي انتشر في أوساط الأنسيان ريژيم قبيل الثورة الفرنسية.
مكان العرض: قاعات اللوحات والنحت الأوروبية
—
جان لويس أندريه ثيودور جيريكو، رأس رجل مقطوع بالمهراة (مقصلة)، 1818–1819
رصيد الصورة: معهد الفن في شيكاغو
عزّز جيريكو مهارته بتقرّبه من المشرّحـات الباريسية والانغماس في دراسة الجثث، فخرج عن عادة كثيرٍ من الرسامين الذين يتعلمون من العمل الحيّ. رسم أجزاء مقطوعة من الجسد مرارًا، وهذه اللوحة تُقدّم منظرًا صادمًا لرأس مقطوع ودمٍ يتجمع أسفل الرقبة بحيث يكفي أن يوقف أي ناظر. (ولئن صدّق القارئ أو لا، فليس هذا أخشن مشهده؛ لمن يطمح إلى مزيدٍ من الوحشية ثمة دراسة له في فرنسا لذراع مبتور يضم رجليْن.) ولحسن الحظ، تُعرض هذه اللوحة إلى جانب أمثلة أقلّ قسوة من الرسم الرومانسي، بينها منظران هائجانان لتورنر.
مكان العرض: قاعات اللوحات والنحت الأوروبية
—
جون فيليب سيمبسون، العبْد الأسير (إيرا ألدرِيدج)، 1827
رصيد الصورة: معهد الفن في شيكاغو
على الرغم من أنّ هذه اللوحة تُدرك اليوم كلاسيكًا، لم تكن دومًا في هذا المكانة: فقد صار المعهد أول مؤسسة تعرضها علنًا بعد غيابٍ دام نحو 180 سنة حين انضمت إلى مجموعته عام 2008. منذ ذلك الحين صارت «العبد الأسير» وثيقة محورية تعبّر عن موقف إلغائي في إنكلترا أوائل القرن التاسع عشر. صوّر سيمبسون إيرا ألدرِيدج —الممثل الأمريكي المولود والذي يُعتبر أحد أوائل السود الذين أدّوا دور عطيل— مقيدًا إلى مقعد، وعيونه دامعة تحدق نحو الأعلى، في نداء صامت ضد العبودية.
مكان العرض: قاعات اللوحات والنحت الأوروبية عند عرض سيمبسون لهذا العمل للمرة الأولى عام 1827، اقتبس في كتالوگ المعرض بيتاً من قصيدة وليام كوبر، يقول فيه تقريباً: «آه! أي رغبة تزدهر، أو أي دعاء لتجارٍ أثرياء محمَّلون بشحنات اليأس». لغوياً وفكرياً كانت المرثية حاضرة، وفي إنجلترا أُلغي نظام العبودية بعد ست سنوات من ذلك العرض.
حقوق الصورة: معهد الفن في شيكاغو
مكان العرض: قاعات الرسم والنحت الأروبي
—
ميلاني دو كوموليرا — طبيعة صامتة: عنب وزهور (نحو 1827)
هذا العمل، الذي اقتناه المعهد في 2023، يرمز إلى تصحيح طفيف لكن جوهري لخلل تاريخي في المجموعات: أغلب روائع قاعات الرسم والنحت الأوروبية كانت لأيدي رجال؛ والآن بدأ المعهد يضم تدريجياً أعمالاً لسيدات من «الماسترز» القدامى. ميلاني دو كوموليرا، الفرنسية المتدرِّبة على يد رسّام الطبيعة الصامتة كورنيليس فان سباوندنك، تُظهر هنا ذوقاً في ترتيب الفواكه والزهور على أقطار حادة، حتى تبدو السيقان والكروم متشابكة وتعبر اللوحة بمرونة. في هذه القطعة يجتمع الحلو واللاذع: عنقود عنب يترنّح فوق فلفليْن من نوع هالبينو متصادمين بتوازن بصري طريف.
مكان العرض: قاعات الرسم والنحت الأوروبي
حقوق الصورة: معهد الفن في شيكاغو
—
شارل هنري جوزيف كوردييه — نصْب نصفي لامرأة (1851)
في الموروث الغربي، عادةً ما تُجَسَّد جماليات الجسد الأنثوي بصور نساء ذوات بشرة فاتحة؛ لكن هذا التمثال يقدّم صورة امرأة سوداء، ولهذا عُرف عند ظهوره الأول باسم «لا فينوس الأفريقية». بعض المؤسسات لا تزال تحتفظ بنسخ وتستخدم هذا الاسم، بينما اختار المعهد اسم العمل الحالي. كتحفة ثنائية، رافق هذا الصدر تمثال لصيحبه سعيد عبد الله، رجل سوداني كان في السابق مستعبدًا؛ وقد عُرض العملان في متحف أنثروبولوجي بباريس. الآن، بعيداً عن هذا الإطار الأنثروبولوجي المشحون، يظلّ التمثال من النماذج النادرة لتمثيل المرأة السوداء في قاعات المعهد الأوروبية.
مكان العرض: قاعات الرسم والنحت الأوروبي
حقوق الصورة: معهد الفن في شيكاغو
—
إدوار مانيت — سباقات لونغشامب (1866)
لا رسّام فرنسي في القرن التاسع عشر تحدّى الأعراف بحيوية أكبر من إدوار مانيت؛ استلّ Genres تقليدية متهالكة — الأوداليْسكات، لوحات التاريخ، وغيرهما — فحوّلها إلى تجارب بصريّة جديدة. عند تصويره لسباقات لونغشامب، لم يكتفِ بمشهد الجمهور المتفرّج كما في لوحات أخرى، بل ألقى بالمشاهدين في صميم الحدث، محاذياً لهم لمواجهة الخيول الهاجمة. تشعر اللوحة كلّها بحركةٍ متدافعة، وربما بفوضى مقصودة؛ ولهذا ترك بعض النطاقات مبهمة، كأنما التقطت بلقطة فوتوغرافية لموضوع لا يثبت في مكانه.
مكان العرض: قاعات الرسم والنحت الأوروبي
حقوق الصورة: معهد الفن في شيكاغو
—
دانتي غابرييل روزيتي — بياتا بياتريكس (1871–72)
تُعدّ هذه اللوحة من أيقونات أخوية ما قبل رافائيل؛ جماعة إنجليزية في العصر الفيكتوري أعادت تنشيط أساليب العصور الوسطى وعصر النهضة ساعيةً إلى «التجاوز عن الطبيعة»، كما طالب الناقد جون راسكين. استل روزيتي فكرته من قصيدة دانتي أليغييري عن ملهمته المتوفاة بيتريتشا، فاستُخدمت الفنانة إليزابيث سيدّال كبديلة لها — وقد تزوّجها روزيتي قبل أن تُنهي حياتها بالانتحار عام 1862. التجسيد هنا غارق في العاطفة، ألوانه الحمراء والخضرة الداكنة تضخم الدراما وتحقّق مراد راسكين. هذه النسخة هي الثانية تقنياً؛ الأولى في «تيت بريتين»، لكن ما يميّز قطعة المعهد هو لوحة ثانوية أسفل المشهد تُظهر لقاء دانتي ببياتريكس في السماء، وكأن روزيتي لم يزل يراهن على احتمال اللقاء مجدداً.
مكان العرض: قاعات الرسم والنحت الأوروبي
حقوق الصورة: معهد الفن في شيكاغو
—
بيرث موريسو — امرأة عند مرايا التجميل (1875–80)
تؤدي قاعات القرن التاسع عشر لدى المعهد دور استعراض لروائع الانطباعية، ومنها هذه اللوحة لبيرث موريسو التي ظلّت طويلاً في الكتابات الفنية تحت ظل زوجها إدوار مانيه. مثل مانيه، مارست موريسو فرشاة فضفاضة وطبقات طلاء سميكة تمنح أعمالها طابعاً تجريدياً يتحدى المعايير التقليدية. هنا، يذوب تصوير امرأة تمشط شعرها أمام المرآة مع الجو الأزرق المحيط بها، فلا تقدم موريسو صورة محدّدة بقدر ما تعطي انطباعاً ضبابياً للّحظة؛ كل ما يبرق بوضوح هو قرط واحد يلمع.
هذا العمل غير معروض حالياً.
مكان العرض: قاعات الرسم والنحت الأوروبي
حقوق الصورة: معهد الفن في شيكاغو
—
غوستاف مورو — هرقل والهيدرا الليرناوية (1875–76)
بينما يتأهب زوار قاعات القرن التاسع عشر للغوص في الانطباعية، يستحقّ المرء أن يوقِف نظره أيضاً عند تيارات أخرى معاصرة في فرنسا؛ ومن بينها الرمزية. سعى الرمزيون ليس إلى تمثيل الواقع كما فعلت الواقعيّة، بل إلى استدعاء المعنى الباطني عبر صورٍ خيالية ومشحونة بالرموز. ومع ذلك لم تكن الصور الرمزية نَقْصَ ارتباطٍ بالعالم؛ فعلى سبيل المثال، عمل غوستاف مورو عن كثب مع حيوانات راقبها في حديقة حيوانات باريس ليبني منها لوحته الأسطورية. تجلّت تلك الرسومات الأولية في لوحة يظهر فيها ثعبان متعدد الرؤوس يحدّق في هرقل شبه عارٍ. بدل أن يسوق تأويلاً أرضيّاً عن الهدوء المصاحب للخطر، يختار مورّو بفِرحٍ الانزلاق إلى المنظر البشع؛ فقد أقام مشهدَه على حافة جرفٍ بحري متناثر بالعظام، مهيئاً أجواءً من الرهبة والرمزية الخشنة.
أين يمكن رؤيته: قاعات اللوحات والنحت الأوروبية
Gustave Caillebotte — شارع باريس؛ يوم ماطر، 1877
بين الانطباعيين تميّز غوستاف كايبوت بأنسقته اللونية الباردة وحدود أشكاله الواضحة. لوحة شارع باريس؛ يوم ماطر، إحدى روائعه البارزة، تبدو مختلفة عن مونيت ورينوار المحيطين بها، لكنها مرتبطة بهما عبر اهتمامه بمدينة باريس السريعة التحديث. تبدو بنايات هاوسمان والأرصفة المرصوفة حديثاً وعمود إنارة كهربائي جديد كأنهم نجوم المشهد، حيث يسير الناس داخل ساحة تهطل عليها زخات مطر رقيقة. تُشهد اللوحة على باريس المتغيرة—وتلمّح إلى تحولات إضافية على الأفق، كما يظهر ذلك بسقالة معلقة على مبنى بعيد.
أين يمكن رؤيته: قاعات اللوحات والنحت الأوروبية
Claude Monet — وصول قطار نورماندي، محطة سان لازار، 1877
كما في لوحة مانيه سباقات لونشامب، يضع كلود مونيت المشاهد في قلب الحدث: لولا حاجز سكة القطار المرئي هنا لبدت العربات وكأنها ستهجم علينا. موضوع مونيت الحرفي هو القاطرة، لكن محوره الحقيقي هو الحداثة. بُنيت محطة سان لازار قبل نحو أربعين عاماً من تنفيذ هذه اللوحة؛ وكان سقفها الزجاجي وأعمدة الإنارة الكهربائية جديدين آنذاك. يعرض مونيت كيف أُعيد تشكيل المدينة التي عرفها الباريسيون، ويُولي اهتماماً خاصاً لكيفية إعادة تشكيل الطبيعة نفسها في العملية: تتصاعد أبخرة القطارات كغيوماً عالقة عبر سماءٍ ملبدة في الخلفية.
أين يمكن رؤيته: قاعات اللوحات والنحت الأوروبية
Pierre-Auguste Renoir — امرأة شابة تخيط، 1879
قد لا تكون هذه أشهر أعمال رينوار في مقتنيات المعهد—فالأشهر ربما تكون أختان على الشرفة (1881)—لكنها أفضل لوحات المعهد لهذا الفنان الانطباعي، الذي سحر الجمهور وأثار استياء بعض النقاد المعاصرين. تعرض اللوحة براعة رينوار في المداغة التعبيرية والألوان، حيث تُنحت باقات الزهور والخلفية اللازوردية بشُعيرات ريشية من الفرشاة. وفي لمسة مذهلة، تظهر خصلات شعر العارضة بارِزةً بلون أصفر كما لو أن الباقة إلى جانبها تومض بضوء داخلي.
أين يمكن رؤيته: قاعات اللوحات والنحت الأوروبية
Edgar Degas — محل القبعات، 1879–86
رغم أن ديغاس اشتهر بلوحاته للباليه، فقد تناول موضوعات أخرى بنفس الحسّ البصري. في هذا الباستيل نرى امرأة في محل قبعات، دون أن نعرف إن كانت زبونة أم بائعة؛ فديغاس يقدم معلومات بصرية ضئيلة عمداً. تُعدّ «متجر القبعات» نموذجاً لديغاس: التكوين مائل بحيث تحتل القبعات المزخرفة مساحة أكبر من العارضة البشرية. هذا النوع من التكوين تحدّى الأعراف التقليدية لكيف يجب أن تُبنى اللوحات، فأصبح جهازاً شائعاً لدى ديغاس ومن تبعه من الانطباعيين الذين أعادوا كتابة قواعد التاريخ الفني المعتمدة من صالون باريس.
أين يمكن رؤيته: قاعات اللوحات والنحت الأوروبية
Georges Seurat — يوم أحد في لا غراند جات، 1884–86
إذا عرفت عملاً واحداً من مقتنيات المعهد فغالباً ما يكون هذا. لكن اللوحة ليست مجرد معلم سياحي؛ إنها نقطة تحول في تاريخ الفن. تُعدّ لوحة جورج سورا مثلاً بارزاً للـبوانتيلية، حيث يبني الفنان الصورة عبر نقاط أو ضربات لونية. عن قرب تبدو تلك العلامات متباعدة أو مشتتة، لكن من مسافة تندمج لتكوّن الأشخاص والمشاهد الطبيعية. عبر منهج صارم نادراً ما عُدِل له، أظهر سورا أن اللون هو الذي يُنظّم رؤيتنا—ملاحظة كانت ثورية في زمانه، رغم بساطتها الظاهرة اليوم. استقرت «لا غراند جات» في هذا المتحف منذ اقتنائها عام 1923، مع استثناء واحد عام 1958 حين سافرت إلى متحف الفن الحديث في نيويورك ونجت بصعوبة من حريقٍ مدمر.
أين يمكن رؤيته: قاعات اللوحات والنحت الأوروبية
Pierre Puvis de Chavannes — البستان المقدس المحبوب للفنون والملهمات، 1884–89
يصعب ضمّ بيير بوفيس دي شافان إلى تصنيف واحد بين فَنّاني القرن التاسع عشر الفرنسيين. بخلاف الانطباعيين الذين رسموا فرنسا المعاصرة، انصرف بوفيس إلى الماضي؛ ومع أنه أنتج تأويلات رمزية يمكن أن تقربه من السيمياليين، إلا أن أسلوبه كان أكثر مِرونةً وتكلُّفاً مما يعرف عنهذا الاتجاه. مع ذلك لم يستطع الحداثيون في القرن العشرين مقاومة لوحاته؛ إذ ألهمت مسطحيتها تجارب جديدة. هنا، في لوحته المصبوغة بدرجات الرمادي الأزرق المميّزة، يستعمل نساءً ملتفات الأثواب كاستعارات للفنون؛ تجسد شخصيةٌ مرتفعةٌ وأخرى مُترنّمة جمال الموسيقى.
أين يمكن رؤيته: قاعات اللوحات والنحت الأوروبية
Antonio Mancini — Resting، ca. أنطونيو مانشيني — الاستراحة، 1887
الفن الفرنسي يبقى الدافع الرئيسي لزيارة صالات المتحف المخصصة للقرن التاسع عشر، لكن هناك كنوزاً لرسامين من بلدان أوروبية أخرى أيضاً. أنطونيو مانشيني، الذي أمضى فترة في باريس ثم عاد إلى إيطاليا، يصوّر في هذه اللوحة امرأةً نائمة نصف عارية؛ وعلى الرغم من أن العنوان يوحي بالاسترخاء، إلا أن المشهد بعيد عن السكينة: النظرة مُفعمة بالتوتّر، وطبقات الطلاء الكثيفة عند مانشيني مضطربة كما لو أنها تعكس ارتباك المنظور. تمسك العارضة بوردة في يدها، لكن جمال الزهرة يختفي عملياً وسط ضربات الأبيض التي تُمثل الملاءات المجعّدة المحيطة بها.
أين تُعرض: صالات الرسم والنحت الأوروبية
فينسنت فان غوخ — غرفة النوم، 1889
تُعرف لوحات فان غوخ بتراكمات الطلاء السميك والمتلوّنة التي كثيراً ما فسّرها النقّاد بوصفها مرآة لحالته النفسية المُضطربة. غير أن انتقاله إلى منزل جديد في أرل عام 1889 حمل معه إشارات إلى هدوء عثر عليه، كما أخبر أخاه ثيو؛ ولوحاته من تلك الفترة، ومنها لوحة غرفة النوم، تعبّر عن هذا الشعور الداخلي بالسلام. فان غوخ لا يرسم العالم كما يبدو عينياً فحسب، بل يستعمل ألواناً صارخة ومتضادة—انظر إلى ضربات التركواز الغنية على ألواح الأرضية الرمادية—وميل المنظور لديه يساهم في إبراز الإحساس بدلاً من الدقة الطبيعية. هذه الخصائص أصبحت سمة من سمات الطليعة ما بعد الانطباعية، التي رأت في الأصل تمثيل العالم كما يُشعر به لا كما يظهر.
أين تُعرض: صالات الرسم والنحت الأوروبية
هنري دي تولوز-لوتريك — في «مولان روج»، 1892–1895
شهد المشهد الفني الباريسي أواخر القرن التاسع عشر اهتماماً واسعاً بحياة المدينة اليومية، لكن تولوز-لوتريك تميز عن زملائه بقدرته على تجسيد المقاهي والبارات وبيوت الدعارة بأسلوب تعبيري قوي. في اللوحة التي تصور «مولان روج»—المكان الذي كان يرتاده—تظهر المغنية ماري ميلتون بوجه يميل إلى الأخضرار، تذكيراً بلون الأفسنتين الذي كان يستهلك حولها. كما أن المنظور في اللوحة يبدو محرفاً وكأنه يُرى من خلال عدسات سكران، وهو تحول منظورى يعكس ارتباطه بالتيار ما بعد الانطباعي.
أين تُعرض: صالات الرسم والنحت الأوروبية
بول سزان — سلة التفاح، نحو 1893
كرّر بول سزان تصوير الفواكه المتناثرة فوق الطاولات مرات عديدة، لكن لا توجد لوحتان متماثلتان؛ ففي ذلك قصد منه أن يبيّن تعدد زوايا النظر إلى موضوع واحد. عند التدقيق في هذه اللوحة، تتبدى لك طاولة مائلة بشكل ملحوظ، وجزء من سطحها منخفض أكثر من غيره؛ أما المفرش المجعّد فيبدو وكأنه يمتد خارج الطاولة بطريقة غير طبيعية. كل ذلك كُوّن كما لو أن سزان حرك موقعه أثناء العمل ثم جمع سلسلة من وجهات النظر المختلفة في صورة واحدة. كانت هذه الطريقة مبتكرة في عصرها وألهمت فيما بعد الفنانين التكعيبيين.
أين تُعرض: صالات الرسم والنحت الأوروبية
أكسِلي غالن-كالّيلا — أد أسترا، 1894–1896
الرسام الفنلندي أكسِلي غالن-كالّيلا صقل تجربته في باريس خلال ثمانينات القرن التاسع عشر، ثم عاد إلى الوطن حيث دخل في مرحلة أكثر غرابة تقربه إلى الرمزيين وتبعده عن التصنيف السهل. «أد أسترا» من الأعمال الشاذة إلى حد ما؛ تبدو كلوحة مذبح ذهبي مفتوح يكشف عن صورة فتاة عارية ذراعاها ممدودتان. تقف جزئياً غارقة في بحر قرمزي أمام قمر ذهبي كبير، وكأنها تطفو، بينما ينساب شعرها في كل اتجاه. استحوذت هذه اللوحة على اهتمام المتحف عند اقتنائها عام 2017 وهي إضافة حديثة نسبياً إلى الصالات.
أين تُعرض: صالات الرسم والنحت الأوروبية
كاميـي بيسارو — امرأة تغسل قدميها في جدول، 1895
يُعد كاميـي بيسارو الأب الروحي لمجموعة الانطباعيين؛ كان أكبر سناً من كثيرين من زملائه وبيّن دور المرشد لأسماء مثل كلود مونيه وبول سزان، وفي الوقت نفسه طوّر لغة تصويرية مميزة تتسم بخشونة ملمس الطلاء. بعد العمل مع سيرات وسيغناك، اتجه بيسارو نحو لوحة أكثر دفئاً وتعبيرية في ألوانها، كما نرى في مشهد المرأة التي تغسل قدميها؛ رقائق من الأخضر الفاتح تقف مكان العشب، بينما تلون نقاط البني أوراق الأشجار تحت ضوء الشمس. هذه الصفات جعلت أعماله عنصراً أساسياً في مجموهة المتحف، وتُظهر كيف استطاع أن يجمع بين التأثير والتجريب ضمن إطار التأثير الانطباعي. الجداول الصغيرة بالأسفل مزيج من هذه النغمات وغيرها، كأنما جرى سكب ما تبقّى من ألوان بيسّارو بعد تنظيف فرشاته في مجرى الماء.
مكان العرض: قاعات الرسم والنحت الأوروبية
جيمس إنزور — طبيعة صامتة: أسماك وأصداف، 1898
مصدر الصةورة: معهد الفن في شيكاغو
تستعيد هذه اللوحة لسِمْبَر إنزور نوعاً تقليدياً من الرسم وتنقحه بنفَسٍ جديد. الأصداف والكائنات البحرية الميتة والأواني المزخرفة — عناصر مألوفة من لوحات الأساتذة الهولنديين — تتكرر هنا، لكن معالجتها ضوئياً ولونيّاً تختلف بوضوح: يخلو خلف المشهد من التفاصيل الحادة ويغشى بغمقٍ رماديٍّ يذكّر بأقل أعمال تيرنر تجريدية. فيما بعد، في القرن العشرين، اتجه إنزور إلى تصوير وجوه بشرية على شكل جماجم، ما يجعل هوس هذه الطبيعة الصامتة بالموت أمراً لافتا بشكل خاص.
مكان العرض: قاعات الرسم والنحت الأوروبية
المغارة المصغَّرة، أوائل القرن الثامن عشر
مصدر الصورة: معهد الفن في شيكاغو
تستحق قاعات الزخارف الأوروبية في المتحف الانتباه أيضاً: فهنا تقبع مغارة متعددة الطوابق مزيّنة بالأصداف. صُنعت في مدينة نيفير الفرنسية عبر دمج زجاج مصبوغ على معدن لتشكيل عناصر غريبة: عازف نفخ أمام حملان، مغنّية على شرفة مذهبّة، رجل تبدو أرديته قابلة للسقوط، أشجار مثمرة وجدران مرصعة بالبلّور. رغم ارتفاعها الضئيل — نحو 19 بوصة — فإن دقتها وتفاصيلها تُبقى انطباعاً قوياً في الذاكرة.
مكان العرض: قاعات الفنون التطبيقية الأوروبية
قطعة مركزية وحامل مع زوج من مبشّات السكر، 1737
مصدر الصورة: معهد الفن في شيكاغو
تميّزت مصانع ميسن للخزف بأعمال ممتازة، وهذه القطعة المركزية من نماذجها الباذخة تُذهل بفخامتها. صُنعت لتزيّن مائدة البلاط الساكسوني وتضم سلة فيها أربعة ديوك وحاويتين للسكر، مزينتين بمشاهد لأزواج صينيين يقبلون بعضهم — تمثيلات نمطية منتشرة على خزفيات ميسن في القرن الثامن عشر، تبدو اليوم — للعيون المعاصرة — خارجة عن الذوق وقد تصل إلى حد العنصرية. مطلّية ببرونز موشّى بالذهب، تمثّل هذه القطعة قمة التألّق في الفن الزخرفي الأوروبي.
مكان العرض: قاعات الفنون التطبيقية الأوروبية
قاعــة تداول بورصة شيكاغو، 1893–1894، أعيد تركيبها 1976–1977
مصدر الصورة: معهد الفن في شيكاغو
كانت هذه الغرفة على شفا الزوال قبل أن تجد ملاذها في المعهد. صممها المعماريان دانكمار أدلر ولويس هـ. سوليفان وأُكملت عام 1894، ثم تعرض مبناها لخطر الهدم في ستينيات القرن الماضي. مع اقتراب خطط التفكيك عام 1972، قاد المصوّر والناشط ريتشارد نيكِل حملة لحفظ غرفة التداول، ونُقِلَت فعلياً إلى معهد الفن حيث رُكّبت منذ 1977. ورغم إعادة بناء أجزاء منها، تحتفظ بسقف زجاجي وأعمدة أصلية وجزء من النقوش الجدارية. تُستخدم اليوم كقيمة مُخصّصة للفعاليات، لكن مشروع توسعة طموح أُثيرت حوله تساؤلات بشأن مستقبلها.
مكان العرض: غرفة البورصة
قناع (وجه)، 300–600 م
مصدر الصورة: معهد الفن في شيكاغو
استُخدمت أصداف رخويات السوندِيلوس في صناعة هذا القناع الفريد من قاعات فنون الأمريكتين. عُثر عليه في أطلال تيوتيهواكان، المدينة ما قبل الإسبانية القريبة من مكسيكو سيتي الحالية، وربما كان يُعرض في منزل أو معبد. بينما لم تكن الأقنعة نادرة في تيوتيهواكان، تُظهر ملامح هذا القناع — جبينه المقرن وشفة مرتفعة مُحدّدة بعناية — اختلافاً عن أمثلة أخرى، ما دفع البعض للتساؤل إن كان يصوّر شخصاً بعينه لا مجرد شخصية نمطية. أيّاً كان موضوعه، فإنه يتفوق حضوراً على لوحات بارزة معروضة في نفس القاعة.
مكان العرض: قاعات فنون الأمريكيتن
رافائيل بيل — طبيعة صامتة: فراولة وجوز وآخرون، 1822
مصدر الصورة: معهد الفن في شيكاغو
بينما احتقر بعض الرسامين الأمريكيين الطبيعة الصامتة، منح رافائيل بيل هذا النوع كلّ اهتمامه؛ تتألف معظم مجموعته من ثمار معروضة أمام خلفية بنية غارقة جزئياً في ظلال قاتمة. استقى أسلوبه بعضاً من تقنيات الباروك الإسباني في القرن السابع عشر، لكن رؤيته كانت فريدة وفي إطار تاريخ الفن الأمريكي ثورية بهدوء. هنا، إناء زجاجي يحوي فراولات ناضجة إلى جانب جوز في طبق قريب. يبرز احمرار الثمرات بحدة أمام الألوان الباهتة المحيطة، فيبدو المرء وكأنه يلمس طعمها بالحواس.
مكان العرض: قاعات فنون الأمريكتين
توماس كول — منظر بعيد لشلالات نياجارا، 1830
مصدر الصورة: معهد الفن في شيكاغو
تميّز توماس كول، أحد روّاد مدرسة نهر هدسون، في تصوير مساحات أمريكية شاسعة نقية من وطأة التصنيع والاستعمار؛ أعماله تحتفي بالطبيعة كقوة مهيبة وكقيمة رومانسية تتحدّى التحوّل الصناعي. نظر على شلالات نياجارا — موضوع طالما اجتذب رسامي مدرسة نهر هدسون — يتسم بهذه اللوحة بغياب المباني تقريباً. العلامة الوحيدة لوجود البشر في هذا المشهد الخريفي هي زوجان من السكان الأصليين، رجل وامرأة، يحدقان في شلال يتدفق إلى بحيرة. لكن كول لا يجعل منهما بطلي العمل؛ بل يصغرهما تصويرياً، مقلّلاً من دورهما كحُماة لهذه الأرض. هدفه الأساس تقديم رؤية جذابة ومطهّرة جمالياً لكل ما لدى أمريكا من مناظر، بما في ذلك السماوات المعتمة.
مكان العرض: قاعات فنون الأمريكتين
Winslow Homer — مشهد لعبة الكروكيه (1866)
كان وينسلو هومر من أبرز ملاحظي أمريكا بعد الحرب الأهلية، مدركاً بتعمّق لتبدلات الأعراف الاجتماعية بعد الصراع. بينما تحمل بعض لوحاته تعليقات سياسية لاذعة، تبدو هذه اللوحة أكثر هدوءاً. يصوّر فيها مباراة كروكيه، اللعبة التي أفادت إليها أمريكا من إنجلترا فحظيت بشعبية. ربما جذبت هومر لأن اللعبة تُمارَس من قِبل الرجال والنساء معاً، ما كان نادراً آنذاك. هنا تظهر النساء فاعلات، واقفات بأثواب زاهية الألوان بينما يقوم مرافق يرتدي بدلة رمادية بضبط الكرة لإحداهن.
مكان العرض: قاعات فنون الأمريكتين
Mary Cassatt — غسل قدم الطفل (1893)
قضت ماري كاسات، المولودة في أمريكا، معظم مسيرتها في فرنسا، مستقوية بتيار الانطباعية القادم من باريس لتجسيد مشاهد الحياة اليومية. خلافاً لكثير من زملائها الذكور، ركّزت كاسات على الحياة الأسرية — وبالأخص على الروابط بين النساء اللاتي يعتنين بالأطفال والرضّع. ببصيرة نفسية رفيعة، تُظهر هنا أمّاً تغسل قدمي طفلة صغيرة. متأثرة بطباعات الأوكيّو-إي اليابانية، تضاغط كاسات المساحات فتختفي الخلفية وتتحوّل إلى سهلات ضبابية؛ فتنتقل المرآة إلى الأم والطفلة، وتتجلى حميمتهما ليس فقط بقربهما المكاني بل أيضاً بوضعياتهما، إذ تساند الطفلة يدها بلطف على ركبة أمها المنثنية.
مكان العرض: قاعات فنون الأمريكتين
Sara Fina Tafoya — جرة تخزين (حوالي 1900)
في بلدة سانتا كلارا البويبلو في نيو مكسيكو، تركت فنانة الخزف التيفا سارا فيا تافويا بصمة دائمة بأواني فخارية مثل هذه. لصناعة جرار كهذه كانت تشتغل وفق معرفة لم تكتسبها من مدارس فنية بل تناقلتها الأجيال قبلها. تتميز إبداعاتها بلونها الأسود الحالك وخلوّها من الزخرفة، ومع ذلك كان لها تأثير واضح على أحفادها، من بينهم ابنتها مارجريت تافويا وحفيدها جوزيف لون وولف، اللذان أصبحا فنانين أيضاً.
مكان العرض: قاعات فنون الأمريكتين
John Singer Sargent — النافورة، فيلا تورلونيا، فرسكاتي، ايطاليا (1907)
خلال أواخر القرن التاسع عشر وفي فرنسا، بنى الرسام الأمريكي جون سينغر سارجنت سُمعةً بصور البورتريه التي بدت أقل اهتماماً بالتقاليد المقبولة لمدرسته. وكان ساخراً في تحدّي القواعد، فشرع في مسار مختلف تماماً عام 1907 حين تخلّى عن البورتريه الداخلي واتجه للرسم في الهواء الطلق. في هذا العمل الشهير يصوّر الفنانان المتزوجان ويلفريد وجاين إيميت دو غلين. ضرباته الفرشية متعمدة الغموض والسماكة — خرق آخر للأعراف — ويبدو أقل حرصاً على وجوه الجالسين منه على أزيائهم، حيث يعكس تدرّج الأزرق والأبيض للماء المتدفق من النافورة ألوان قميص ويلفريد. والأهم أنه يصور هذين الفنانين يعملان في العراء أيضاً، كإيحاء بأنه لم يكن وحيداً في رغبة اختبار المحظورات الفنية.
مكان العرض: قاعات فنون الأمريكتين
Tiffany Studios — نافذة تذكارية هارتويل (1917)
تُعد هذه النافذة الزجاجية الملونة إضافة حديثة نسبياً لمجموعات المعهد الفني، وهي بحق تحوّلية. حتى عام 2018 كانت في كنيسة المجتمع في بروفيدنس بولاية رود آيلاند، حيث لم تُدرك بالضرورة كعمل فني رفيع. لا توجد كثير من نوافذ تيفاني من هذا النوع في العالم. صممتها أغنيس ف. نورثروب، وتبلغ ارتفاعها 25 قدماً مكوّنة من 48 لوحة معقّدة تتحد لتقدّم رؤية ساطعة لجبل تشوكورويا في نيوهامبشير بكامل روعة مناظره. تظهر النافذة الآن في صالة مضيئة بجوار قاعات الفن الأمريكي، متصدّرة بشلال أزرق لافت فوق تماثيل من الدرجة الأولى لأوغست رودن.
مكان العرض: قاعات فنون الأمريكتين
Grant Wood — القوطية الأمريكية (1930)
إذا وُجد عمل واحد يجسد معهد الفن فقد يكون «القوطية الأمريكية» هذا. مثل أعمال غرانت وود الأخرى، ساعدت هذه اللوحة في تأسيس ذائقة أمريكية مميزة تتصف بالبساطة الشعبية، الانضباط الطفولي، والفكاهة الغريبة. الثنائي الظاهر هنا لم يكن زوجين فعليين: المرأة في اللوحة هي نان وود غراهام، شقيقة الفنان؛ والرجل هو بايرون مككيبي، طبيب أسنان لعائلة وود. لكن هذه الحقائق ثانوية؛ فهدف وود كان التقاط انطباع عن الريف الأمريكي الذي عرفه عن كثب، إذ وُلد ونشأ في أيوا. لوحة كانت حجرَ الزاوية في حركة الإقليمية؛ قدّمها الفنان وود في مسابقة أقامها معهد الفن عام 1930. رغم أن وود نال ميدالية برونزية بقيمة 300 دولار فقط، إلا أن المتحف اقتنى اللوحة في نهاية المطاف، ومن هناك أصبح لها مكانتها التاريخية.
أين تُرى: قاعات فنون الأمريكتين
إدوارد هوبر — صائدو الليل، 1942
خلال الفترة الفاصلة بين الحربين العالميتين، ارتقى هوبر إلى الشهرة بلوحات كثيرًا ما ظهرت فيها شخصيات غارقة في الفكر. وصف هوبر هذه الأعمال بأنها دراسات في الضوء، لكن ذلك لم يمنع كثيرين من قراءتها على أنها استكشافات للوحدة والعزلة—وهو ما يفسر كيف انتشرت لوحة صائدو الليل على نطاق واسع أثناء إغلاق كوفيد‑19 عام 2020. اعترف هوبر أنه ربما كان يفكر في هذه الموضوعات “بلا وعي” أثناء إنشائه للعمل، الذي يعد من روائعه. في المشهد نرى رجلاً وامرأة، يبدو أنهما ثنائي، يجلسان في مقهى إلى جانب رجل آخر بينما يخدمهما نادل؛ لا يبدو أن أحدًا منهم مهتم بالآخر كثيرًا، والمدينة خارج المقهى خالية من الناس تقريبًا، مما يعزّز شعور الاغتراب.
أين تُرى: قاعات فنون الأمريكتين
جورجيا أوكيف — السماء فوق السحب IV، 1965
في عام 1962، وأثناء رحلة جوية عائدة إلى منزلها في نيو مكسيكو، تطلعَت أوكيف من نافذة الطائرة فدهشت ممّا رأت من سحب. قالت مرة: «بدت مستقرة لدرجة أنني ظننت أنني أستطيع المشي عليها حتى الأفق لو فُتح الباب». هذا المنظر المدهش أنجب سلسلة كاملة من الأعمال؛ وهذه اللوحة هي الأكبر ضمن تلك السلسلة. تقدم أوكيف فيها مشهدًا لا يشبه السماء بقدر ما يشبه محيطًا قطبيًا يسبح فيه جليد متصدع. عند النظر إلى العمل قد يصعب تحديد الأعلى من الأسفل، وكان هذا قصد أوكيف—أرادت أن تخلق لوحة تقلب طريقتنا في رؤية العالم من حولنا. عُلّقت فوق درج أيقوني، وجاءت اللوحة العريضة التي تبلغ عرضها أربعة وعشرون قدمًا إلى شيكاغو خلال معرض استعادي لأوفيك عام 1971 وبقيت هناك بعده لأنها كانت كبيرة جدًا لتمر عبر أبواب المحطة التالية في سان فرانسيسكو. بعد إقراض استمر عقدًا من الزمن، أمّن معهد الفن اللوحة لمجموعته بمساعدة أوكيف.
أين تُرى: قاعات فنون الأمريكتين
كرسي (Kiti Cha Enzi)، القرن التاسع عشر
إذا رغبت في كرسي مثل هذا خلال القرن التاسع عشر، فكانت مصادره محدودة؛ فقد صُنعت أساسًا في مومباسا وثلاث جزر قبالة ساحل كنيا الشرقي. ندرَة صناعة هذه الكراسي منحتها هيبتها؛ وليس بالغريب أن اسمها بالسواحيلية، kiti cha enzi، يعني «كرسي السلطة». يُرجح أنه استُخدم من قِبل أحد نخب السواحيلين ومزُوّد بعاج في بعض تفاصيله؛ ويتميّز الكرسي بمستوى عالٍ من الحرفة في ضفر المقعد. وفقًا لمعهد الفن، يظهر على الكرسي تأثير أوروبي مميّز، يشبه قطعًا مماثلة صُنعت في إسبانيا والبرتغال في القرون السابقة.
أين تُرى: قاعات فنون إفريقيا
(هذا القطعة غير معروضة حاليًا)
قناع خوذوي (موكِنجا)، ربما أواخر القرن التاسع عشر حتى منتصف القرن العشرين
تقول مثل من شعب kuba: «الحيوان، حتى لو كان كبيرًا، لا يفوق الفيل. والرجل، حتى لو امتلك سلطة، لا يفوق الملك.» لذلك اتخذ هذا القناع شكل فيل، بخرطوم طويل منحنٍ واثنين من الأنياب المصنوعة من خيوط. صُنِع في ما يُعرَف اليوم بجمهورية الكونغو الديمقراطية، وكان هذا القناع يمنح مرتديه منّة السلطة، وقد يُرتدى أثناء طقوس الجنازات. مزدانٌ برفا من الرافيا وريش ببغاء رمادي أفريقي، ويُعدُّ من أكثر القطع تفصيلاً وغنى في قاعات الفن الإفريقي في معهد الفن، التي تخضع حاليًا للتجديد.
أين تُرى: قاعات فنون إفريقيا
(هذا القطعة غير معروضة حاليًا)
تاج (أدي)، أواخر القرن التاسع عشر حتى منتصف القرن العشرين
الخرز اليوُبائي عادةً ما يكون ملونًا، مبالغًا فيه، ومفصّلًا—لدرجة أنه من السهل أن ننسى أن الأشياء المزخرفة به لم تُصَنَّف دائمًا كأعمال فنية فحسب. بل كانت مخصّصة للاستخدام اليومي من قبل نخبةٍ نافذة، كما في حالة هذا التاج المسمى «أدي». كان يرتديه ملك إيدووى، في ما يُعرف اليوم بنيجيريا، ويحوي عيونًا بارزة، ونتوءات شبيهة بالطيور، وشرابات ملونة—كلُّ ذلك من خرز زجاجي يبدو من بعيد كخيوط دقيقة.
أين تُرى: قاعات فنون إفريقيا
(هذا القطعة غير معروضة حاليًا)
تمثال (مبولو نغولو)، أواخر القرن التاسع عشر حتى أوائل القرن العشرين
كان هذا النوع من التماثيل معروفًا بين شعب كوتا في ما يُعرف اليوم بغابون باسم مبولو نغولو، وكان يقف أصلاً على قمم صناديق الرفائق (الرفاعة). بوجوه مسطحة وخطّين معوّجين يرمزان إلى الأطراف المثنية، وفي بعض الحالات عيون بارزة، كانت تماثيل مبولو نغولو تشير إلى القوة الكامنة في الرفائف القريبة منها. ازدهرت هذه التماثيل حتى أوائل القرن العشرين، حين جعلها المستعمرون الفرنسيون غير قانونية في سعيهم لترسيخ المسيحية كدين سائد في غابون. لاحقًا، بدأت المتاحف الغربية بعرض هذه التماثيل؛ وأخذ الحداثيون الأوروبيون من خصائصها الشكلية مصدر إلهام، غالبًا من دون أن يُولّوا اهتمامًا لهدفها ووظيفتها الأصلية.
مكان العرض: قاعات فنون افريقيا
هذا المعروض غير معروض حاليًا.
قناع وجه أنثوي (Mwana Pwo)، أواخر القرن التاسع عشر – أوائل القرن العشرين
حقوق الصورة: معهد الفن في شيكاغو
تُرتدى أقنعة مووانا ب وو تقليديًا في طقوس رجال تشوكوي رغم أنها تُجسّد عادة صور النساء. كان هؤلاء الرجال يستحضرون بهنّ أسلافًا من الإناث أو يرمزون إلى أعضاء من مجتمعهم من الجنس الآخر، معززين بذلك مكانة المرأة كحاملة للأطفال وشريكةٍ في العقد الزوجي. يبدو هذا القناع، المصنوع أساسًا من الخشب ومن المرجح أنه إنتاج منطقتي الحالية أنغولا، مُجسَّدًا بشكل فردي وقد يكون مستوحى من ملامح امرأة بعينها.
مكان العرض: قاعات فنون إفريقيا
هذا المعرروض غير معروض حاليًا.
بابلو بيكاسو، العازف العجوز، أواخر 1903–أوائل 1904
حقوق الصورة: ©2026 دار ميراث بابلو بيكاسو/جمعية حقوق الفنانين (ARS)، نيويورك/معهد الفن في شيكاغو
تُعد مجموعة الفن الحديث في المعهد غنية بأعمال بيكاسو العظيمة، وهذا الإطار واحد منها عادةً ما يكون معروضًا. ينتمي اللوح إلى فترة الحزن (المرحلة الزرقاء) لدى الفنان الإسباني: يصوّر عازف جيتار هزيلًا يحتضن آلته، في إطارٍ خانق لا يترك مجالًا لوجود مستمعين — كأن الفقر المحيط به يحاصره جسديًا. مستندًا إلى تصويرات إيل غريكو من عصر المانييريزم، ينقل بيكاسو العذاب النفسي بلغة لونية تعبيرية تختار الانحراف المتعمد عن الواقع.
هنري ماتيس، المستحمّون على ضفة نهر، 1909–10، 1913، و1916–17
حقوق الصورة: ©2026 سلسلة H. Matisse/جمعية حقوق الفنانين (ARS)، نيويورك/معهد الفن في شيكاغو
اختيار لوحة واحدة لماتيس من بين ما يملكه المعهد قد يبدو قاسٍ؛ فالمجموعة تزخر بلوحات بارزة له. لكن لوحة المستحمّين على ضفة نهر تحظى بمكانة خاصة لأن ماتيس نفسه اعتبرها من أعماله المحورية، بحسب القيمرة كاثرين كو التي ساعدت في اقتنائها عام 1953. بُدئت بناءً على تكليف من الجامع الروسي المؤثر سيرجي شوتشكين عام 1909، وتصور مجموعة من المستحمين — موضوع عاد ماتيس إلى تناوله مرارًا، ليحوّله من مادة تقليدية إلى رؤية حداثية صريحة. انهارت صفقة التكليف، لكن الفنان عاد للعمل على القماشة في السنوات التالية، لتنتج لوحة تبدو مقتصدة إلى حد الإيحاء بالنقص: رؤوس المستحمين دوائر فارغة؛ وبعضهم بلا أقدام، وآخر يبدو واقفًا فوق شجرة لا أمامها.
مكان العرض: قاعات الفن الحديث
فرانسيس بيكابيا، Edtaonisl (Ecclesiastic)، 1913
حقوق الصورة: ©2026 جمعية حقوق الفنانين (ARS)، نيويورك/ADAGP، باريس/معهد الفن في شيكاغو
قد تبدو هذه اللوحة الضخمة مجرد تجريد تام، لكنها في الأساس استُلهمت من راقصة بعينها: ستاسيا نابيركوفسكا، التي رآها بيكابيا تؤدّي على متن باخرة عابرة للمحيط بين فرنسا والولايات المتحدة. بدلاً من تصويرها حرفيًا، استعان بتتابع أشكال يذكّر بتروس معدنية لاستدعاء حركتها الراقصة. تُجسّد اللوحة ذائقةً ميكانيكية رائجة آنذاك في باريس، وتنبئ بالسخافة المرتبطة بحركة الدادا، التي ردّت على فظائع الحرب العالمية الأولى بأعمال ترفض أن تكون منطقية. عنون بيكابيا لوحته بكلمة عبثية تمزج بين كلمتي “نجمة” و”رقص” الفرنسيّتين، وأضاف لها عُنْوَنًا فرعيًا “كنسيّ” ليؤكد أن تجريده ذو جلال، حتى وإن بدا كأحشاء آلة في مصنع.
مكان العرض: قاعات الفن الحديث
فرانز مارك، الطاحونة المسحورة، 1913
حقوق الصورة: معهد الفن في شيكاغو
تشتهر لوحات فرانز مارك بألوانها الصاخبة والدافئة. لم يكن هو وحده من استخدم طيفًا لونيًا قوّيًا؛ زملاؤه في مجموعة “الفارس الأزرق” سعوا إلى تحقيق تناغم عبر تبسيط العالم وابتعاده عن المحاكاة الدقيقة. تصور هذه اللوحة طاحونة بعجلة حمراء ومياه بيضاء تتلاشى في خلفية يملؤها طيور تبتسم وثعلبٌ برتقالي ومبانٍ أزرق غامق. يندمج العالم الطبيعي والبشري ليشكّلا منظومة واحدة — فكرة تمنح لونا من الحنين في زمن أعادت فيه الصناعة تشكيل الحياة اليومية لألمان كثيرين. وربما تبدو تلك النظرة ساذجة اليوم، لكن ألوان مارك تظل كما لو أنها تلائم عنوان اللوحة؛ فاتنة كما كانت عند رسمها أول مرة.
مكان العرض: قاعات الفن الحديث
كازيمير ماليفيتش، الواقعية التصويرية للاعب كرة القدم — كتل لونية في البعد الرابع، 1915
حقوق الصورة: معهد الفن في شيكاغو
إلى حد قد يصدم العين المعاصرة، مهد كازيمير ماليفيتش لتيارات التقليلية من خلال لوحات تتألّف من أشكال مقتصدة على خلفيات بيضاء. أُنتجت هذه الأعمال في روسيا خلال عقدِ 1910، وجعلت من صاحبها أحد نجوم حركة السوبيرماتية، التي اعتبر فنانوها “العالم الموضوعي” بلا معنى كما كتب كازيمير ماليفيتش، وسعوا بدلًا من ذلك إلى تصوير جوهر الحقائق البصرية، غالبًا عبر التقاط إحساسٍ ما لا بوصفه بصريًا فحسب. وبناءً على ذلك، لا تُجسّد هذه اللوحة لاعب كرة القدم المُسَمّى بقدر ما تستحضر مساره على أرض الميدان. مستطيلات سوداء وحمراء مصطفّة على مسافات غير متساوية فوق دائرة خضراء قد ترمز إلى الكرة. ومع تنقّل العين عبر اللوحة من أعلى إلى أسفل، يتّضح للمتأمل أن بإمكانه أن يتخيّل الرياضي وهو يردّ ساقه إلى الخلف ويتهيأ لتسديدة تهديفية.
أين تُغرض: صالات الفن الحديث
Suzanne Duchamp — Broken and Restored Multiplication, 1918–19
مصدر الصورة: ©2026 Artists Rights Society (ARS)، نيويورك/ADAGP، باريس/معهد الفن في شيكاغو
لوحة لِسوزان دوشامب معلّقة في قاعات معهد الفن إلى جانب أعمال “الأشياء الجاهزة” لِأخوها الفنان الدا dada مارسل دوشامب. قد تفتقر سوزان إلى الانتباه الجماهيري الذي حظي به مارسل، لكنّ فرصتها قد تلوح في الأفق بعد معرض استعراضي جاب عدة أماكن كان لهذه اللوحة فيه دور بارز. تظهر “الضرب المكسور والمُرمَّم” مجموعاتها المميزة من الأشكال الآلية المماثلة للماكينات مع كلمات ذوات دلالة زلقة وغير ثابتة. يقرأ نصّها الفرنسي المحيط بصورة برج إيفل: «المِرآة ستتحطّم، السقالة ستترنّح، البالونات ستحلّق بعيدًا، النجوم ستخبو، إلخ»، وشكل البرج المقلوب يعكس المنطق المقلوب لأوروبا ما بعد الحرب العالمية الأولى، التي لا تزال تترنّح من آثار الدمار ومشاهد القتل. واستخدام كلمة “المُرمَّم” في العنوان يوحي بمحاولةٍ لإعادة فرض نظام ما وسط هذا الفوضى.
أين تُعرض: صالات الفن الحديث
Piet Mondrian — Lozenge Composition with Yellow, Black, Blue, Red, and Gray, 1921
مصدر الصورة: معهد الفن في شيكاغو
إذا كانت اللوحة نافذة على العالم، كما طرح فنانو الغرب منذ عصر النهضة الإيطالية، فبالتأكيد ثمّة الكثير خارج حدود القماشة. ذلك التفكير كان محركًا للتجريدات التي رسمها بيت موندريان، أحد المنتسبين إلى حركة دي ستايل الهولندية. كثيرًا ما ردّ بالتصوير عبر شبكاتٍ من خطوطٍ سوداء سميكة مع رقعٍ من الأحمر أو الأصفر أو الأزرق. في هذه اللوحة، يترك موندريان عمدًا حواف قماشته تقطع مربعاته الصفراء والزرقاء، فيخلق وهمًا بأنها تستمرّ خارجَ حدود اللوحة. العمل رسم على قماشة مربّعة دوّرَت بزاوية 90 درجة، وهو ينهل من سعيه نحو نقاءٍ جماليٍ اعتبره مبدعه في غاية الأهمية، إذ وصف تجريده بأنه “متحرِّر تمامًا، خالٍ من المظاهر الطبيعية.”
أين تُعرض: صالات الفن الحديث
Marc Chagall — The Praying Jew, 1923
مصدر الصورة: ©2026 Artists Rights Society (ARS)، نيويورك/ADAGP، باريس/معهد الفن في شيكاغو
رغم أن مارك شاغال تلمّس طوال مسيرته جماليات الطليعة الحداثية مثل التكعيبية والتعبيرية، كان اهتمامه الأساسي دائمًا هويته اليهودية والفولكلور المرتبط بها. ويرجع ذلك جزئيًا إلى نشأته في نهاية القرن التاسع عشر في فيتيبسك (في بِلَارُوسيا حاليًا)، حيث شهد أثر المذابح الطائفية التي استهدفت السكان اليهود المحليين. حفاظًا على التقاليد، كرّر تصوير مشاهد مثل هذه، حيث يظهر رجل ملفوف حول ذراعه بالتفلين (علبة جلدية تحتوي مقاطع من التوراة). كعادة شاغال، رسم العمل بحيث يبدو طافيًا بين الواقع وعالم الأحلام، مع خلفية تتلاشى إلى التجريد.
أين تُعرض: صالات الفن الحديث
Diego Rivera — Weaving, 1936
مصدر الصورة: ©2026 Banco de México Diego Rivera Frida Kahlo Museums Trust، مكسيكو سيتي/Artists Rights Society (ARS)، نيويورك/معهد الفن في شيكاغو
مع أن دييغو ريفيرا يشتهر بجدرانياته، فقد أنتج أيضًا لوحاتٍ صغيرة النطاق مثل هذه في سعيه لدعم رؤيته للمكسيك، ومحاولة فصْل تاريخها عن قرونٍ من الاستعمار الإسباني. في “النسج” يصوّر لوز خيمينيث، التي عملت بلا كلل للحفاظ على لغة الناواتل خلال النصف الأول من القرن العشرين. يظهرها ريفيرا عند نولها، تصنع نسيجًا بتقنياتٍ أهلية مهدّدة بالاندثار. هي غارقة في عملها لدرجة أنها لا تعير الناظرَ اهتمامًا؛ وبهذا يدعو الفنان المشاهد إلى تقدير صعوبة عملها وكافة المعارف التي استلزمها.
أين تُعرض: صالات الفن الحديث
Maria Helena Vieira da Silva — Composition, 1936–37
مصدر الصورة: ©2026 Artists Rights Society (ARS)، نيويورك/ADAGP، باريس/معهد الفن في شيكاغو
معهد الفن ليس الوحيد الذي تحكم قاعاته الحديثة أغلبيةٌ من الفنانين الرجال. وليس المعهد وحده أيضًا في محاولاته في السنوات الأخيرة لتصحيح الخلل بين الجنسين بإلقاء الضوء على الحداثيات الإناث الأقل شهرة في الولايات المتحدة. من بينهن ماريا هيلينا فييرا دا سيلفا، رسامةٌ برتغالية المولد عملت في فرنسا، واشتهرت بتجريداتها المذهلة التي تبدو وكأنها تشوّه المكان والزمن. في هذه اللوحة تظهر شكلًا ملفوفًا مكوّنًا من مربعات مُبلَّطة مستوحاة من ألواح الأزوليجو الخزفية في العمارة الهسبانية-عربية. كثيرًا ما زعمت فييرا دا سيلفا أن لوحاتٍ كهذه تمثّل فضاءات ذات بواباتٍ مفتوحة. ادخلها، فتُعيد توجيه إدراكك للعالم.
أين تُعرض: صالات الفن الحديث
Salvador Dalí — Inventions of the Monsters, 1937
مصدر الصورة: ©Salvador Dalí، Fundació Gala-Salvador Dalí/Artists Rights Society (ARS)، نيويورك، 2026/معهد الفن في شيكاغو
هذه اللوحة لسلفادور دالي هي واحدةٌ من العديد من الأعمال السريالية المشهورة عالميًا المتوافرة في معهد الفن. في لوحةٍ لدالي تتجلى أرضٌ حالمة مأهولةٌ بزرافةٍ تشتعل نيرانًا، وشخصٌ يضع قناع قطةٍ يحدقُ بشغفٍ في هيئةٍ برأس حصانٍ وصدرٍ مكشوف، وبشخصياتٍ منحنية تبدو كأنها تخضع لتغيّرٍ غامض. العمل مرعب وجميل في آنٍ واحد، ويحتوي على لمحةٍ ساخرة إذا اعتبرتَ أن الفنان قد وضع نفسه وزوجه داخل ذلك الفضاء المسكون. هكذا فسّر دالي لوحته التي تتناول ما يقاوم التحليل العقلي: «الزرافة المشتعلة تساوي وحشًا أبديًا مذكرًا. ملاك القطة يساوي وحشًا لاهوتيًا مغايرًا. الساعة الرملية تساوي وحشًا ميتافيزيقيًا. غالا ودالي يساويان وحشًا عاطفيًا. الكلب الأزرق الصغير ليس وحشًا حقيقيًا.»
مكان العرض: متاحف الفن الحديث
رينه ماغريت — الزمن المطعون (1938)
في هذه اللوحة المحبوبة، تندفع قاطرةٌ مدخنة من جدار موقدٍ حجري، فتتفشى الأبخرة وكأنها تخرج من عالمٍ آخر. من أين أتت القاطرة وإلى أين تتجه—وكيف تتحرك أساسًا—يظلّ سؤالًا لم يقدمه ماغريت، أحد أعمدة السريالية، لإجاباتٍ عقلانية. مثل زملائه، كان ماغريت مولعًا بالحالات النفسية المضطربة والصور الهلوسية التي تتحدى العقل، لكنه تميّز بتحفّزاته الهادئة والمحكمة. أغرب ما في الصورة تفصيلٌ قد يمرّ دون انتباه: المرآيه الطويلة فوق الموقد تعكس فراغًا رماديًا، ما يجعل من المستحيل تحديد مرجعيات المكان في هذه الغرفة الخاوية التي تبدو جغرافيتها الغامضة ممتدة بلا نهاية.
مكان العرض: متاحف الفن الحديث
روبرتو ماتّا — الأرض رجل (1942)
كان الفنان التشيلي روبرتو ماتّا من بين السرياليين الذين سعوا للرسم وفقًا لمنطق الاأتوماتيكية، حيث يتخلّى المرء عن السيطرة لصالح اندفاعات العقل. باستعمال زيت مخفف كان يمسحه ويوزّعه على القماش، كان ماتّا يخلق زهرات لونية ضبابية شبه شفافة، كما لو أنها عابرة كخواطره. هنا، مستلهمًا من سيناريو كتبه عن فيديريكو غارسيا لوركا، الشاعر الذي أعدمته سلطات فرانكو في إسبانيا، يتصور الفنان شمسًا لامعة فوق منظرٍ تهيمن عليه هبتان ناريتان كبيرتان. تبدو اللوحة مستحضرةً لطاقةٍ ماورائية؛ وليس عجيبًا أنها تأثرت بثوران بركاني حقيقي رآه ماتّا في المكسيك عام 1941.
مكان العرض: متاحف الفن الحديث
ريميديوس فارّو — الطبيعة الميتة المنتعشة (1963)
تُعدّ ريميديوس فارّو، المولودة في إسبانيا والمقيمة في المكسيك، من الأصوات النسائية السريالية التي ارتفعت شهرتها مؤخرًا؛ فقد اقتنى معهد الفن هذه اللوحة في 2024، وكانت آنذاك أول قطعةٍ له لها، وهي آخر أعمالها وأكبرها. في العمل يبدو شمعة مشتعلة تنبعث منها طاقةٌ غامضة، فتطفو ثمراتٌ عن المائدة وتدور في مدارٍ حولها. اللوحة بأكملها تنبض بقوّةٍ غير مرئية تنتمي إلى عالمٍ آخر، وإعدادها في شبه قبةٍ كنسية يزيد من غموضها وافتتانها.
مكان العرض: متاحف الفن الحديث
تاتسوو إيكيـدا — عين الحجر: رأيت (1965)
على غرار فارّو، يعتبر تاتسوو إيكيـدا إضافة حديثة لتاريخ السريالية جزئيًا لأنه لم يعمل في أوروبا؛ عاش في اليابان وردّ على فوضى ما بعد الحرب بأعمالٍ تصويرية ورسمية تظهر أجسادًا متحوِّلة ومخلوقاتٍ غريبة. في هذا العمل النحتيّ، يحوّل إيكيـدا تلك الكائنات إلى بعدٍ ثالث، وضع كرة عينٍ شمعية داخل حجرٍ. يلتقي القطعة بنظرة المتلقي، ما يخلق لقاءً مزعجًا لا يخلو من توتر. ظهورها إلى جانب أعمالٍ مرموقة لماغريت ودي كيريكو وإيف تانغي وغيرها يوحي بأن إيكيـدا، الذي كان فنانًا غامضًا في الولايات المتحدة، بدأ يحتل موقعه في القانون الكنسي للفن.
مكان العرض: متاحف الفن الحديث
فرانسيس بيكون — شخصية مع لحم (1954)
قال الرسّام الإيرلندي فرانسيس بيكون ذات مرة: «نحن لحم، نحن جثثٌ محتملة.» جسّد هذه الفكرة حرفيًا في لوحته التي يظهر فيها رجل جالسًا أمام قطعة لحمٍ ضخمة وملطخة بالدماء. وضعية الرجل تستحضر عن قصد بورتريه إنوسنتس العاشر لدييغو فيلاسكيز، حيث يهيمن الأحمر على الصورة ويمنح الشخصية الكهنوتية هيبةً وسلطة. بالمقابل تبدو شخصية بيكون مجهولة الهوية وكأنها معرضة للزوال—وجهه مفتوح الفم، يذوب في طمسٍ غامض. مثل كثير من أعماله، تلمح اللوحة إلى حالة نفسية مُعذِّبة، وما يزيدها رهبةً هو تركُّه للعمل مفتوحًا على التأويل، بلا تعليقٍ واضح على مجزرة العرض.
مكان العرض: قاعات الفن المعاصر
جوان ميتشل — مشهد المدينة (1955)
رغم عنوانها، لا تمثل هذه اللوحة مدينةً بشكلٍ حرفي. بل تستحضر إحساس المدينة عبر تشابك ضربات لونية نابضة على خلفية رمادية، فتمنح المشاهد انطباعًا عن إيقاعٍ حضريٍّ وحرَكةٍ داخل فضاءٍ لونيٍّ كثيف. «أحمل مناظري حيثما ذهبت»، هكذا قالت جوان ميتشل في بروفايل شهير نشره ARTnews عام 1957، مما رسّخ مكانتها كإحدى الركائز في حركة التعبيرية التشكيلية التجريدية بنيويورك. تُصنَّف غالبًا كفنانة من الجيل الثاني للتعبيرية التجريدية نظراً لصعودها إلى الشهرة بعد جاكسون بولوك ومارك روثكو وغيرهم الذين تُمثِّلهم معاهد الفن إلى جانبها. عُرف عمل ميتشل بتراكُم ضربات الفرشاة؛ لم تسعَ إلى تنعيم الطلاء بل تركته خشناً وملمسه بارزاً إلى حد أحيانا ما يمنحه صفةً تماثلية، كما لو أن المادة نفسها تحوَّلت إلى عنصر نَحتي.
مكان العرض: صالات الفن المعاصر
آندي وارهول — Liz #3 [ليز الملونة المبكرة]، 1963
عندما أنتج وارهول هذه الطباعة بالشاشة الحريرية، كانت إليزابيث تايلور قد مرّت بثلاث زيجات فاشلة — وسيأتيها أربعة أخرى لاحقاً. حياتها المعرَّضة وأسلوبها الصاخب جعلا منها مادةً لأزِمِة صحفية مستمرة، وربما يفسّر ذلك لوحة الألوان الصارخة التي استعملها وارهول، حيث يُعاد تشكيل رمز الجنس بألوانٍ متنافرة من الأحمر والتركواز والأخضر. ارتكز وارهول على صورة فوتوغرافية لتايلور، لكن اهتمامه بدا موجهاً إلى صورتها العامة وما تمثّله لدى الجمهور أكثر من كونها الشخصية نفسها. الجدير بالذكر أن هذا العمل، بقطر يزيد قليلاً على ثلاثة أقدام مربعة، لا يتجاوز في حجمه شاشة تلفزيون العصر، ويظل أصغر بكثير من شاشة سينماٍ قد تُعرض عليها أفلام لتايلور. Liz #3 جزءٌ من مجموعة ستيفان إدلِس وجايل نيسون، التي تبرعا بها للمتحف عام 2015 — أربعٌ وأربعون عملاً قيمتها نحو نصف مليار دولار، وقد وُصفت كأكبر هبة يتلقّاها المتحف.
مكان العرض: صالات الفن المعاصر
إيفا هِسِه — Hang Up، 1966
في منتصف ستينيات القرن العشرين، اعتمد منحوتو المينيمالية مثل دونالد جود ودان فلافين مواد صناعية صافية المظهر، كأنها لم تُمسّ بيد إنسان. جاء ما بعد المينيمالية ليردّ باستخدام نفس المعادن والأسلاك، لكنه بأسلوبٍ أكثر فوضوية وتجسُّديّة. تُعد هذه القطعة إحدى قمم مسيرة إيفا هسه القصيرة؛ تمثّل إطاراً فارغاً مغلفاً بقماش تَنبثق منه سلكة أو فتيلةٍ مطلَّقة، في عنوانٍ يلعب على التورية: قد يحيل إلى هاجسٍ نابعٍ من اضطراب ذهني، أو إلى الفعل الحرفي لتعليق اللوحات. في كلا التفسيرين تتضح فكرة الانهيار عن الالتزام والترابط: لا توجد لوحة داخل الإطار، ما يوحي بفشلٍ فني، والسلك يبرز بصيغة غير أنيقة في فضاء المعرض، مجبراً الزائرين على الالتفاف حوله.
مكان العرض: صالات الفن المعاصر
ألما تومس — Starry Night and the Astronauts، 1972
عام 1969، تابع كثيرون في الولايات المتحدة باندهاش هبوط روّاد ناسا على القمر، حدثٌ بُثّ مباشرة على شاشات التلفاز. أثّر هذا الحدث في ألما تومس تأثيراً جذرياً على ممارستها الفنية، فجذّبتها صور الكواكب والفضاء الخارجي فاستبدلت الأشكال التقليدية بسواطٍ من الألوان الدافئة. في واشنطن العاصمة، حيث نشأت موجة من الرسامين التجريديين بعد الحرب، رسمت تومس أعمالاً مثل هذه التي تستحضر سماء الليل عبر دوائرٍ وشرَطاتٍ من الأزرق العميق مقطوعةً بانفجارٍ من الأحمر والبرتقالي والأصفر. لا تمثّل اللوحة الرحلات الفضائية حرفياً، لكنها تستحضر الشعور بالتسامي؛ كأنها سفينة صغيرة تشقّ ظلاماً لا حدّ له.
مكان العرض: صالات الفن المعاصر
سيندي شيرمان — Untitled #92، 1981
في أواخر السبعينات أعادت سيندي شيرمان توجيه التصوير الفوتوغرافي عبر سلسلة «صور أفلام بلا عنوان»، صورٌ أبيض وأسود مثّلت فيها نفسها في مشاهد تشبه الأفلام السوداوية، رغم عدم انتماء أيٍ منها إلى فيلم فعلي. كانت تلك الصور تتناول السرديات التي نفرضها على اللقطات الثابتة، وبالأخص صور النساء. تابعت شيرمان هذه الرؤية في سلسلة «الصفحات المركزية» عام 1981، والتي أُنتِجت لعدد من Artforum لكنها لم تُنشر فعلياً فيه؛ عنوان السلسلة استدعى صور نجمات أفلام البورنو المعرَّضات للملاحظة. ومع ذلك، تقدم شيرمان، وهي تؤدي أمام كاميرتها في الأستوديو، القليل من الإيحاء الجنسي في Untitled #92، حيث ترتدي زيّ طالبة وتبدو في حالة انزعاج أو ضيق. أعمال كهذه جعلت منها فنانة مركزية في «جيل الصور»، مجموعة فنانين أمريكيين تأملوا في التدفق اللامتناهي للصور خلال السبعينات والثمانينات.
مكان العرض: صالات الفن المعاصر
تشارلز راي — Boy، 1992
في التسعينات برز تشارلز راي كمراقب فطن للقلق الأمريكي من الأسرة النووية تحت وطأة الضغوط الاجتماعية. تبدو منحوتته Boy كصبي من زمن أبسط — ربما خمسينيات القرن الماضي، حين كانت الوحدة الأسرية المتماسكة قيمة مركزية في الثقافة الأمريكية. إلا أن التناسب فيها مضطرب: يقف الصبي على ارتفاع يقارب ستة أقدام، أكبر بكثير مما ينبغي لصبي في هذا العمر، وتجسّده صناعي ومقلوب على نحو يبعث على القلق، مع ندرةٍ للحياة في مقلتيه. يقدم تمثال راي صورة مزعجة لصبي يبدو بلا شائبة، ويطرح تساؤلاً جوهريًا حول ما إذا كانت البراءة المرافِقة لمرحلة ما بعد الحرب في أمريكا موجودة أصلاً أم أنها كانت مجرد وهم ابداً.
أين تُعرض: صالات الفن المعاصر
كيري جيمس مارشال — Many Mansions (1994)
وُلِد مارشال وارتبط بشيكاغو؛ درس الفن هناك واستقرّ في المدينة منذ 1987، ويُعد اليوم من أبرز الرسامين المعاصرين. في عمله هذا من تسعينيات القرن الماضي، الذي جاء أثناء صعود سمعته الفنية، واصل مارشال مشروعه في استعادة صور السود كرموز للقوة بدل أن تكون مادة للسخرية. يصوغ المشهد بتكوين مثلثي مُستعار من تقاليد النهضة، ويعرض ثلاثة رجال سود يغرسون العناية في مساحة خضراء داخل مشروع الإسكان العام Stateway Gardens. يملأ مارشال اللوحة بأزهار زاهية وبلابل زرقاء تحمل شريطًا، وعلى هامش العمل اقتبس نصًا عن الأمان الروحي من إنجيل يوحنا مع تعديل طفيف ومقصود—استبدال كلمة «الأب» بـ«الأم»، في إشارة إلى التركيز على مكانة المرأة في تجربته البصرية.
أين تُعرض: صالات الفن المعاصر
هذا العمل غير معروض حاليًا.
سيمون لي — Sharifa (2022)
حازت سيمون لي الأسد الذهبي لمشاركتها في الدورة الرئيسية لبينالي البندقية 2022، حيث مثّلت الولايات المتحدة كأولى امرأة سوداء تفوز بهذا التكريم. كانت «شريفة» واحدة من الأعمال التي عرضتها في الجناح، وتقوم على تمركز تجارب النساء السود عبر الأزمنة في سياقات الاستعمار والاضطهاد. بورتريه العمل يستند إلى العالمة شريفة رودس-بيتس، التي طلبت منها لي في بادئ الأمر أن تتخذ وضعية الولادة، لكن رودس-بيتس فضّلت أن تقف متكئةً على جدار تتأمل، وصاغت لي التمثال مستلهمةً تلك اللحظة. على ارتفاع يزيد عن تسعة أقدام، يفرض التمثال حضوره الهيبولوجي ويُجسّد مشروع لي في رفع مكانة عمل النساء السود وتكريمه.
أين تُعرض: الحديقة الشمالية
غلاديس نيلسون — Caked: a plein air romp with bakery goods (2025)
برزت غلاديس نيلسون في ستينيات القرن الماضي كواحدة من نجوم المشهد الفني في شيكاغو عبر مشاركتها في مجموعة Hairy Who، التي استلهمت لوحاتها العبثية من رسوم الكوميك وفكر السريالية. واصلت العمل بهذا المنحى، وبمناسبة بلوغها الخامسة والثمانين طُلب منها أن ترسم جدارية فخمة لأحد مطاعم المعهد. تُعد هذه اللوحة أكبر أعمال نيلسون حتى الآن؛ مشهد احتفالي يضم نساء مترهلات الثديين ورجالًا نحيفي القامة يلتفون في فضاء ملتوي ويتناولون كعكة الجزر، أحد الحلويات المفضلة لديها. إن كنت قد شاهدت كل الأعمال في هذه القائمة، فمرّ بالمقهى الموقع وانغمس في قطعة معجنات تحت هذه الجدارية—you deserve it.
أين تُعرض: البار الحديث