عادت مدينة لندن إلى الحركة، وعادت غيومها الرمادية الشهيرة إلى أفق المدينة مع الخريف، متزامنة مع مهرجان لندن للتصميم وأسبوع لندن للموضة هذا الشهر، ومع أسبوع فريز في أكتوبر. وفي تقاطع فريد، سعى الفنانون والمصممون جميعًا إلى النعومة والهدوء لمواجهة صخب لندن وضجيجها.
لانطلاق مهرجان لندن للتصميم، افتتح الفنان الفرنسي فينسنت دوبور معرضه “طقس أزرق” في معرض كاربنترز ووركشوب في غرب لندن الخميس الماضي، وقدم مجموعة من التصاميم ضمت كراسي وخزائن وطاولات ومقعدًا عثمانيًا منجدًا. ومجتمعة، تمنح هذه الأعمال حالة تأملية إزاء الاضطراب السياسي العالمي.
مراجع دوبور واسعة ومتنوعة. فكرسي ستونهنج والمقعد العثماني ستونهنج، على سبيل المثال، استوحيا من ستونهنج في إنجلترا، بكتل غير متناسقة الشكل تشكل هذه القطع باستخدام البرونز والتنجيد. لكن أكثر القطع إثارة للإعجاب كانت سطحا طاولتين برونزيين، “بين عاصفتين” و”نواة الاهتزاز”، وقد عالجهما دوبور ليبدوا مثل مكعبات روبيك خُلطت ولم تُرتّب قط.
قال دوبور لمجلة آرت نيوز أثناء معاينة: “التركيب والتفكيك هو ملاحظتي للمجتمع، حيث ظهرت حضارات واختفت”. وعندما سُئل إن كانت القطع المفتتة في عمله تمثل المشهد السياسي الفرنسي الحالي، قال إنه يريد نقل الشعر والسلام في القوس السردي لعمله، لكن الوصول إلى تلك المرحلة يتضمن أيضًا عنفًا وحربًا.
وفي الطابق الثاني من معرض كاربنترز ووركشوب، لعب دوبور بالماء والنار، ودفع العنصرين ضد بعضهما ليصنع مجموعة أعمال تشكل دعوة إلى الأمل: فنواة الاهتزاز مغطاة بملمس حبيبي صلب بلون أزرق عميق يشبه البحر، مع لمسات من البرونز.
وقال: “أرى الأزرق لون طاقة الجسد، وهو طريقة للاتصال من جديد بنفسك. أجسادنا معمار يستضيف أرواحنا”. وتابع أن التباين بين الماء والنار يظهر في قطع الطاولات مثل “طاولة عضوية”، و”نفسه 1″، و”نفسه 4″، المغطاة ببرونز أبيض عاكس. واستخدم الفنان حوافًا منحنية تحاكي شكل بحيرة، لكن في كل قطعة يحدث ثوران بركاني لتحقيق التوازن بين الحرب والسلام.
وعلى بعد عشرين دقيقة بالسيارة، في فندق ماندارين أورينتال في نايتسبريدج، كان العرض الأكثر طلبًا في أسبوع لندن للموضة هو عرض هاريس ريد. واحتفلت العلامة شبه الراقية، ومقرها لندن، بخمس سنوات بمجموعة نحتية ضمت عشر إطلالات بيضاء بوسائد كتف مرتفعة وأشكال بيضاوية. وكان ذلك الإحساس النحتي مقصودًا، إذ استلهم ريد من تماثيل هنري مور البرونزية الضخمة نقطة انطلاق لتضخيم أشكال تصاميمه ونسَبها؛ كما أثرت في المجموعة لوحات جون سينجر سارجنت وفرانسيس بيكون.
وقال المصمم: “بالنسبة لي، كانت لوحة الألوان البيضاء بالكامل تعني أن تبدو المجموعة كضباب، وكان ثمة جوهر من ضباب بيكون في لوحاته، لكنه موضوع إلى جانب النساء اللواتي رسمهن سارجنت أو ديغا”. وأضاف أنه زار المعرض الوطني للبورتريه ضمن مرحلة بحثه للمجموعة. كما استخدم الأبيض كقماش نظيف ليزينه بالدانتيل والترتر الذي يصور شاشات يابانية ومناظر طبيعية.
في هذا الموسم، لم يستلهم مصممو لندن من اللوحات فقط، بل حرصوا على أن يضيف مكان عروضهم إلى الحكاية. فاختارت المصممة الصربية المولد روكساندا إيلينتشيتش شرفة المسرح الوطني، التي صممها المعمار الوحشي دينيس لاسدون عام 1976. واستعار عرضها الحبال الرقيقة للفنانة النسيجية الثمانينية فرانسواز غروسن، ونسجها في فساتين وتنانير وحقائب وأحزمة.
وقالت المصممة خلف الكواليس لمجلة آرت نيوز: “أنا من صربيا، والعمارة الوحشية مهمة جدًا هناك، لذا هي قريبة جدًا من قلبي. كان يثير اهتمامي هذا التعايش بين شيء صارم جدًا ووحشي وبين شيء هش وأنثوي. أردت أن آخذ الحجم الملحمي لعمل فرانسواز في المتاحف وأضعه في الحياة اليومية”.
أما إردم مورالي أوغلو، المصمم الكندي المقيم في لندن، والذي كان يعرض مجموعاته في المتحف البريطاني في المواسم الماضية، فقد حان وقت الانتقال وسط ضجيج نسيج بايو، المعار حاليًا للمتحف، حيث اصطف الناس في طوابير طويلة لرؤيته خلال عودته القصيرة إلى إنجلترا.
وفي عرضه لموسم ربيع 2027، انتقل مورالي أوغلو إلى راوندهوس، وهي مسرح ومركز حفلات استضاف جيم موريسون وجيمي هندريكس. في كل عرض يضع المصمم كتاب صور صغيرًا يرسم ملامح ملهمته للموسم؛ وهذه المرة سلط الضوء على باربيت، الأمريكي في القرن العشرين، وهو بهلوان هوائي ومؤدٍ يتنكر في هيئة امرأة، وكثيرًا ما صوّره مان راي، وكانت إحدى ملهمات جان كوكتو. افتتح مورالي أوغلو العرض بإطلالة تشارك باربيت ازدواجيتها: النصف العلوي قميص سموكينغ أنيق، مع سروال داخلي قصير مرصع بالجواهر.
وقال للصحافيين خلف الكواليس: “كان الأمر كله يتعلق بالتوتر بين الذكورة والأنوثة. الأنوثة والرجولة في أنقى معانيهما”.
وفي أولد بيلي، محكمة لندن التاريخية، جاءت مجموعة سيمون روشا وكأنها مناسبة لمجرم. اعتمدت المصممة المولودة في إيرلندا لوحة «القبض على المسيح» (1602) للرسام كارافاجيو، المعروضة في المعرض الوطني الأيرلندي في دبلن، كأساس لمجموعتها. وقد حُوّل تكوينه الدرامي القائم على العتمة والضوء، وألوانه الغنية، إلى سترات بومبر لامعة وفساتين على شكل شرنقة، تستدعي عصور الأزياء الراقية عند كريستوبال بالنسياغا وإيف سان لوران.
كذلك استعانت المصممة إميليا ويكستيد، المولودة في نيوزيلندا والمقيمة في لندن، بالرسم في مجموعتها، باحثة عن الإلهام في فن وحياة لي كراسنر، التي يدور حولها معرض «كراسنر وبولوك: الماضي المستمر» في متحف المتروبوليتان للفنون، والمقرر افتتاحه في الرابع من أكتوبر. وقد أُعيد تفسير لوحة ألوانها كفنانة تعبيرية تجريدية، من الوردي الزاهي والأزرق الفاتح كلون قشر البيض والأصفر، في فيلم قصير عرضته في متجرها.
وقالت ويكستيد لـ«آرت نيوز»: «أحب فكرة أنني أستطيع التحكم في السرد، وبناء العالم وهذه الشخصية عبر المجموعة». وأشارت إلى أن قطع التويد تبدو وكأن بقع الألوان في أعمال كراسنر قد سُحبت مباشرة من لوحاتها. «حين أفكر في لي كراسنر، أفكر في رشقات ألوان على القماش».